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miércoles, 25 de febrero de 2015

"Elemental": Lluvia Acida compila diez años casi desconocidos de carrera.


Por circunstancias extraordinarias de la vida, cayeron en mis manos hace no mucho tiempo, los discos Elemental y Audioficciones. Prefiero hablar primero de Elemental, y dejar Audioficciones para un posteo posterior, más que nada porque Elemental no es un larga duración de estudio, sino un compilado, más bien un "the best of" que un "greatest hits", porque hasta donde sabemos, Lluvia Acida no ha tenido ningún gran éxito al nivel de Chancho en Piedra o Supernova (lo que por supuesto no es sinónimo de calidad, sino que algo dice sobre la gente en general). Una lástima, porque después de escuchar Elemental, en verdad estos chicos se merecen mucho más de lo que han obtenido. Cuando escribí "circunstancias extraordinarias de la vida" para calificar el que estos discos hayan llegado a mis manos, es que son verdaderamente extraordinarias, toda vez que son ¡de Punta Arenas!, y hasta donde he sabido, sus trabajos carecen de prácticamente toda difusión más allá de la Patagonia. Me pregunto a mí mismo, y lo pregunto de viva voz para que alguien pueda escucharme: ¿cuántos trabajos circulan por ahí, mimetizados entre el ruido de fondo, hundidos por la falta de difusión, que esperan emerger para alcanzar nuestros oídos...?

[NOTA DEL AUTOR: El presente posteo fue escrito en 2.007. Ver los comentarios y actualización más abajo].

Vamos con Lluvia Acida. Según su página web (http://www.lluviaacida.cl), este duo se formó en Punta Arenas en 1.995, cuando Héctor Aguilar y Rafael Cheuquelaf unieron fuerzas, y no sólo ha resistido contra viento y marea durante doce años, sino que además se han dado el lujo de sacar disco tras disco tras disco, hasta conformar una discografía bastante nutrida. Todo un mérito, si se considera que más al sur de Punta Arenas sólo hay hielo y escarcha, y esa ciudad es literalmente el fin del mundo. Tienen su sello propio, EOLO Records, y a través de él han sacado todos sus trabajos desde 2.001 en adelante.

El título completo del disco en comento es Elemental (1996-2006), y por tanto, cubre íntegramente los primeros diez años de carrera de la banda, ya que aunque formados en 1.995, el primer disco (Simulación) es del año siguiente. Los temas, 16 en total, están ordenados cronológicamente, de manera que permiten un paseo panorámico por toda la trayectoria, en vez de otros compilados que apuestan por ordenar los temas con más gancho, pero que para captar la evolución obligan a armar una lista de reproducción en el Winamp. Todo esto, por supuesto, sin contar con que Meridión, el tema instrumental que abre el disco, fue compuesto expresamente para éste, y que Tierras magallánicas, que cierra el disco, no había sido previamente publicado en formato CD.

Los primeros temas reflejan un sonido más cercano al industrial y el EBM de inicios de los noventa, con una notoria infusión de dark. Según la página web, sus más tempranas influencias fueron Kraftwerk, Cabaret Voltaire y Front 242. Puede ser en cuanto a inspiración, pero la verdad es que esos temás no me suenan demasiado kraftwerkianos, o por lo menos, no el Kraftwerk más clásico (quizás, y sólo quizás, el Kraftwerk de Trans Europe Express); tienen un sello un poco más parecido al Front 242 de Tyranny for You o al Front Line Assembly del Caustic Grip, y quizás al de Tactical Neural Implant. Otra influencia, completamente inconfesada, y quizás hasta inconsciente, es un estilo de canto emparentado con el Jorge González de Los Prisioneros, en los tiempos de La voz de los 80, algo explicable considerando la omnipresencia de dicha banda en la escena musical chilena desde entonces. Por supuesto que Lluvia Acida no comulga con el sonido de Los Prisioneros más cercano al ska, al punk o al reggae, sino al que tiene una mayor influencia dark. Al escuchar Alto secreto, no pude evitar pensar que Lluvia Acida están pintados para reversionar temas como Evelyn o Brigadas de negro, de los mencionados Prisioneros; eso si es que algún día quieren (y si es que la discográfica les suelta los derechos).

En cuanto a las letras, no son todo lo depuradas que sería deseable. Hay en los primeros temas una intención poética que malogra un poco la idea de fondo; se suponía que el tema Sol verde, musicalmente muy bueno por lo demás, era un homenaje a la película Soylent green (Cuando el futuro nos alcance), pero la letra bien difícilmente lo da a entender, aunque el estribillo tiene una fuerza peculiar ("Bajo el verde sol, alma mecánica"). Con todo, hay entre medio algunas líneas notables, como el estribillo de la mencionada Alto secreto ("Frías manos recorrerán tu insensible piel, racimos de gritos regalarás al aire"). Probablemente no sea casualidad que en Lluvia Acida los temas instrumentales (Meridión, Superstición) tengan un peso tan decisivo, en vez de ser el número de relleno que son para la generalidad de las bandas, los temas instrumentales en los discos que integran.

Conforme progresa el disco, nos encontramos con una evolución positiva. Lluvia Acida se suelta y empieza a asimilar influencias externas, lo que es algo bueno, porque de haberse clonado a sí mismos disco tras disco, no hubieran quedado sino como imitadores de Front 242; imitadores muy diestros, eso sí, pero con un trabajo no más interesante que el escuchar a Chancho en Piedra después de haber escuchado a Red Hot Chili Peppers. Las canciones posteriores presentan influencias de la música ambiental, de los sones folclóricos chilenos, e incluso de cosas tan extrañas en principio a lo electrónico, como pueda ser el funk, algunos de cuyos toques pueden percibirse en Hotel Kosmos y en Cerro de la Cruz. Por exploración conceptual tampoco se quedan atrás, como lo prueban los temas extraídos del disco Tierra de espectros: Superstición es un instrumental, pero Puesto del diablo y Puzzle macabro se ponen en la senda de lo que había hecho Electrodomésticos en los ochentas, incluyendo discursos hablados a los cuales Lluvia Acida acompañan con música incidental.

En resumen, un gran disco compilatorio para una gran banda electrónica, todavía desconocida en grado sumo, y a la que desde ya deseamos los mejores parabienes, porque han probado de sobra que pueden ofrecer propuestas interesantes, más allá del más bien chato ambiente nacional, por lo general prisionero de modas e imitaciones. Y queda pendiente, como decíamos, la reseña de Audioficciones, que por sí misma da para un posteo completo.

ALGUNAS NOTAS ADICIONALES (ENERO DE 2.015): Este posteo ha sido levemente corregido desde su versión original; los cambios son sólo de redacción, sin alterar ninguna idea de fondo. En cuanto a Lluvia Acida, desde 2.007 a la fecha han seguido siendo una banda firmemente enraizada en el underground, en donde con ahora casi veinte años casi desconocidos de carrera, se tienen más que ganado un merecido respeto por parte de sus pares. Para los interesados, su discografía entera puede descargarse de manera perfectamente legal desde el sitio de Lluvia Acida (www.lluviaacida.cl).

Este posteo fue publicado por primera vez en el blog Tribu de Plutón, el Martes 19 de Junio de 2.007.

domingo, 22 de febrero de 2015

¿Transcurren todas las películas Pixar en un mismo universo? (2 de 2).


Veíamos en la entrega anterior de este posteo, que existe una teoría alucinógena rondando allá afuera, según la cual todas las películas Pixar comparten un mismo universo. Es decir, existe un Universo Pixar que sólo está esperando su propia Los Vengadores para transformarse en un Fase 1 de un equivalente al Universo Cinemático Marvel. Y hemos explorado casi todas las películas que lidian con el pasado y el presente. Ahora toca tratar la última película ambientada más o menos en el aquí y el ahora, que es Up... y después viene la mejor parte: lo que nos depara el futuro de la Humanidad. En caso de que podamos predicar que tiene algún futuro, por supuesto, porque lo que se viene es... bastante negro. Dejémoslo así. Y conste que yo no inventé todo esto, y que todo viene de la Teoría Pixar según la plantea Jon Negroni, por no hablar de otras fuentes distintas al respecto. Por cierto, como lo expliqué en la primera parte de este posteo, los números marcan el orden cronológico interno en la Teoría Pixar, mientras que los números entre paréntesis señalan el orden de estreno de las películas mismas. Y sin más preámbulos, es hora de ir a lo realmente bueno: lo postapocalíptico.

8 (10).- Up.

En el mundo humano, las cosas no van demasiado bien. Las grandes corporaciones como BNL están apoderándose lentamente del mundo. Los seres humanos individuales como Carl cuentan cada vez menos. En un intento por fugarse de la ciudad y conservar su casa y sus recuerdos, Carl termina varado en Sudamérica, lugar en donde hace un descubrimiento terrorífico: un explorador y científico loco ha descubierto lo que las otras películas que hemos reseñado, ya nos han mostrado: el potencial de los animales para sentir y pensar. Y ha combinado esto con los últimos avances en robótica, los que hemos visto en las otras películas que hemos reseñado en la primera parte de este posteo, que por supuesto tú ya has leído, ¿verdad...? De manera inadvertida, el villano Charles Muntz está produciendo lo que bien podría ser el siguiente paso en la evolución. Aunque por el minuto, él lo utiliza solamente para cazar un pajarraco gay. Como de costumbre, el verdadero potencial de su proyecto de laboratorio es algo que se le escapa por completo de vista. Pero la realidad es porfiada, y por la pura inercia de las fuerzas sociales, biológicas y tecnológicas desencadenadas, es que todo marcha recto hacia el apocalipsis.

9 (7).- Cars.

Cuando viste Cars, creíste que se ambienta en un universo paralelo al nuestro, o bien, que se ambienta derechamente en un mundo de fantasía constructivista fordismosoviética. No escribiré nada acerca de cuando viste Cars 2, porque si tus neuronas tienen la integridad psicológica suficiente como para ser un lector habitual de la Guillermocracia, es que no viste Cars 2. El caso es que, siempre según lo que hemos estado siguiendo, hemos cruzado un Rubicón histórico, yendo desde el pasado y presente, hasta el futuro, lo que vendrá. Porque, en efecto, siempre siguiendo el cuerpo doctrinario ortodoxo de la Teoría Pixar (porque hay herejes que plantean doctrina diversa, y que todavía no han conseguido amarrarlos a estacas y quemarlos vivos por su heterodoxia), Cars no se ambienta en un mundo de fantasía sino que es la sociedad del futuro que ha nacido de las cenizas del apocalipsis robótico. Dicho apocalipsis, por supuesto, ha sido tan grande y devastador, que se ha cargado a toda la Humanidad por delante, además del grueso o quizás todos esos bellos animalitos sintientes. Lo único que queda son robots. Pero sin embargo, estos robots en última instancia han sido construidos por robots que, a su vez, en algún punto de la cadena han sido construidos y programados por humanos. Por eso, en vez de evolucionar hacia formas de vida completamente artificiales, siguen manteniendo conductas, patrones de pensamiento e incluso la estética propia de cuando eran parte de la sociedad humana. De ahí que adopten formas de automóviles y aviones, en vez de transformers modulares o similares. Bueno, por eso y porque de lo contrario, la demanda que Hasbro le metería a Pixar sería elefantiásica. El caso es que, por el minuto, los robots triunfantes del apocalipsis robótico tienen el planeta para ellos. Para su desgracia, el tiempo se está acabando incluso para estos simpáticos automóviles, demasiado despreocupados y hakuna matata para su propio bien.

10 (12).- Cars 2.

Esta película añade varios detalles a Cars. En primera, aparecen Europa y Japón, lo que confirma que estamos en la Tierra del futuro y no, digamos, en otro planeta. Y en segunda, deja caer el huevo de la serpiente en medio de la sociedad de automóviles: todo luce como si fuera a durar un millón de años, pero ya están larvándose las semillas de la destrucción de la sociedad automovilística. Automóviles y sociedades con autodestructivas contradicciones internas, el Padrecito Lenin estaría orgulloso. Porque en vez de intentar mejorar su sociedad o transformarse en amos de su propio destino, los automóviles inteligentes se vuelven esclavos de su propio pan y circo. Los mayores eventos de sus vidas no son la colonización del espacio o la terraformación del planeta, sino... las carreras de automóviles a nivel mundial. Igualito a como los bizantinos se viciaban con el hipódromo, o en la actualidad la gente se inyecta su dosis regular de fútbol. Pero hay robots que piensan distinto. Robots que piensan en términos de energías alternativas, porque al seguir intentando perpetuar el modelo de sociedad humano, lo único que están consiguiendo es que la Tierra se transforme en un gigantesco tiradero. Los humanos han abandonado la Tierra tras el apocalipsis y los robots la han heredado, y tales condenados robots no son capaces de hacer nada bueno con el planeta. El resultado final es que los días de los automóviles sintientes están contados, y los automóviles sintientes acabarán por ubicarse en una vitrina del Museo de Paleontología, al lado de otras bestias extintas como el dodo, el lobo de Tasmania, o la decencia humana.

11 (9).- WALL-E,

En Cars y Cars 2 se nos describe cómo una sociedad robótica ha tomado el lugar de la humana. ¿Eso quiere decir que los seres humanos han desaparecido? De la Tierra, sí. Pero cuando se produjo el colapso definitivo que llevó al apocalipsis robótico y el surgimiento de la sociedad de automóviles, algunos humanos arrancaron a bordo de una nave espacial, el Axioma, con la esperanza de venir a retomar la Tierra algún día. Detrás dejaron a robots de limpieza que han trabajado cientos de años en limpiar el marrón dejado por los humanos. Tuvieron tanto éxito, que ni en Cars ni en Cars 2 vemos polución ambiental. Pero los robots de limpieza se desgastaron, la sociedad de automóviles demasiado aficionada a la Fórmula 1 dejó que todo se fuera al demonio, y al final esos simpáticos automóviles acabaron extinguiéndose, dejando tras de sí montones de basura robótica que los últimos robots de limpieza todavía en operaciones, siguen limpiando con toda la parsimonia del mundo. Uno de estos robots es WALL-E, quien, luego de un afortunado encuentro con una robot idiota y de mal carácter llamada EVE, desata una revolución que acabará con la tripulación del Axioma regresando efectivamente a la Tierra, y repoblándola. Pero sin embargo...

12 (2).- Bichos.

Restaurar el equilibrio ecológico perturbado por dos civilizaciones completas, la humana y la robótica, no es algo que suceda de un día para otro. Los humanos campean allá afuera, pero todavía son pocos y están expandiéndose, con los robots como sus leales sirvientes. Esta nueva sociedad ocupa una porción mínima de la Tierra, y en cuanto al resto... es tomado al asalto por todavía otra sociedad más, ésta de insectos, los que hayan conseguido sobrevivir a todos estos avatares. Son animales sintientes como los que hemos conocido anteriormente, pero que ahora hacen el mismo movimiento de los robots, adoptar las costumbres y usos humanos, para construir una sociedad humana al completo, a diferencia de los animales de películas anteriores que se conformaban con adoptar algunos usos humanos mínimos. El árbol que vemos en la película es en realidad el árbol del final de WALL-E, el que creció desde la planta rescatada por el robot... pero no vemos demasiados humanos cerca porque simplemente no hay tantos humanos alrededor. Nuevos datos sobre lo sucedido con los animales podrían haber emergido si Pixar no hubiera cancelado Newt, cuya premisa acerca de dos salamandras, los últimos especímenes de su especie, están condenados a reproducirse para salvar su raza, a pesar de no soportarse mutuamente (irónicamente, la misma premisa que sí se abrió paso a otra animada, pero de ambientación diferente: Río).

13 (14).- Monsters University.

A pesar de todos los intentos de los humanos y robots por salvar a la Tierra, ésta se ha mostrado más rebelde de tratar que lo inicialmente esperado. Radiación, mutaciones, esa clase de cosas, y el resultado es que los humanos, o bien se extinguen, o bien regresan al espacio. Ahora son los descendientes mutantes de humanos, bestias grandes o insectos, o de todos ellos a la vez, quienes se han quedado dueños del campo. ¿Cuánto tiempo ha pasado? Un milenio y medio como mínimo, porque la Universidad de los Monstruos fue fundada en 1.300... de un nuevo calendario puesto en vigencia por la sociedad de los monstruos, no del viejo Calendario Gregoriano de toda la vida (o de lo contrario, en dónde estaban los monstruos en la época de Brave). Las tradiciones y modo de vida de los monstruos siguen más o menos al pie de la letra lo que esperaríamos de una sociedad humana, simplemente como herencia de los tiempos más antiguos. De todas maneras, esta herencia no es pacífica: viene de los humanos, pero para los monstruos, los humanos son los verdaderos monstruos que existían en lo que para ellos es la noche de los tiempos. Tristemente, sin humanos, la sociedad de los monstruos no puede funcionar. De manera que los monstruos inventan algo novedoso: la posibilidad de cosechar energía desde el pasado, desde la era humana, utilizando máquinas del tiempo. Así, la sociedad de los monstruos en el lejano futuro exprime lo que puede del pasado, en una Tierra agónica que ya no aguanta más castigo por parte de una progenie que ha salido demasiado revoltosa para su propio bien.

14 (4).- Monsters Inc.

Todos saben que si alguien viaja al pasado, puede terminar seduciendo y teniendo sexo con su abuela, concibiendo así a su propio padre, y creando una paradoja temporal por la cual le faltará la onda delta que lo hará inmune a los cerebros voladores genocidas del futuro. Y debo dejar de ver episodios viejos de Futurama, o terminarán carcomiéndome el cerebro. En fin, enredarse con el pasado puede ser potencialmente fatal. De esta manera la sociedad de los monstruos, no pudiendo renunciar a la energía obtenida desde los humanos, pero no pudiendo permitir que los monstruos viajen al pasado con impunidad, encuentran una alternativa: enseñan a los monstruos que los humanos son tóxicos. Es una gran mentira, por supuesto, que se verá desafiada cuando Boo, una humana, quede accidentalmente atrapada en el futuro. Al final, todo se saldará con bien, cuando los monstruos descubran que la risa es mucho más efectiva que el miedo, como fuente energética, asegurando la supervivencia de ésta, la última sociedad histórica existente sobre la Tierra, durante algunos decenios o siglos más.

¿Pensaban que todo lo anterior era alucinógeno? Entonces prepárense, porque ahora sí que viene de la buena. Dura y a la vena, sin contemplaciones. ¿Están listos?

Volvamos a la chica de Monsters Inc., a Boo... ella será la encargada de cerrar el círculo. Monsters Inc. es cronológicamente la última película del ciclo, ambientada como mínimo en el siglo 45, que es más o menos la cifra que se obtiene si se suman los 2000 años del presente, los 700 años que estuvo trabajando WALL-E, el milenio y medio de la sociedad de monstruos, y asignándole un par de centurias extras por aquello de ajustar la cronología. Y sin embargo... veremos a Boo nada menos que en la Edad Media. Porque observando con atención entre los objetos de la bruja de Brave... aparece que en uno de ellos está claramente tallado Sully, de Monsters Inc. O sea, y agárrense aquí... la bruja de Escocia en realidad es Boo después de haber transcurrido su vida entera, que viajó en el tiempo desde el Quinto Milenio hasta la Edad Media para investigar el origen de la magia. Es por eso que Mérida en Brave abre las puertas o las cierra, y encuentra a la bruja o no: es porque esas puertas son pasadizos dimensionales de la misma naturaleza que las creadas por los monstruos, y a través de las cuales Boo se perdió en su minuto. Incluso, aunque Brave no lo afirma ni lo niega, quizás fue Boo, entusiasmada por su experiencia de ser la pionera de las relaciones entre monstruos y humanos, quien al investigar la magia echó inadvertidamente a andar la secuencia de acontecimientos que rematará en la saga entera, creando así un bucle temporal perfecto. Por cierto, es muy posible que Boo, viajando a través del tiempo un poco por investigación y un poco por azar, puede haber tenido más que ver en más de algún detalle de las películas que sirven de guiño o referencia a otras películas...

Y con eso hemos terminado con el canon Pixar, tal y como está a inicios de 2.015. Porque a la fecha de escribir esto, están pendientes de estreno tanto Intensa Mente (Inside Out) como The Good Dinosaur, ambas de 2.015, y a falta de verlas, a saber cómo encajarán dentro de la teoría, si es que pueden encajar de alguna manera para empezar. Y sin perjuicio de cambios posteriores, hay anunciadas cuatro películas más que, casi como bofetada a la regla de no rodar secuelas, sí lo son: Finding Dory para 2.016 (sobre Buscando a Nemo), Toy Story 4 para 2.017, y Los Increíbles 2 y Cars 3 para fecha aún por determinar. Cómo impactarán a esta teoría, es algo que está por verse, claro está. Y por cierto, alguien tiene que decirlo... Pixar, tú antes eras chévere.

Pero nos falta una pata más. Sé que ustedes hacen todo lo posible por olvidarla, pero es imposible. Porque ahí están. Son imborrables, se quiera o no. Me refiero a Aviones y su secuela. Que son spin-offs de Cars, pero que en realidad fueron producidas por Disney y no por Pixar, en lo que es un abandono abierto de la política que llevó a los estudios Pixar a crear valientemente Toy Story 2. ¿Son canónicas dentro de la teoría del Universo Pixar, o no? Mi opinión personal es que no, porque no son los mismos productores. Es como decir que las películas Disney con Campanita forman parte del mismo universo narrativo que el original J.M. Barrie describió en Peter Pan, lo que no es el caso. Las películas de Disney con Campanita toman el personaje y escriben nuevas historias sobre él (bien o mal, eso es otro punto), pero no son canónicas, de la misma manera que un fanfic sobre Aragorn y Arwen no forma parte per se del imaginario de Tolkien. Eso sí, valga para el registro, Jon Negroni, que hasta donde sabemos es el creador de esta teoría, opina lo contrario, que Aviones y su secuela sí que forman parte del Universo Pixar. De manera que tenemos el escenario listo para empezar a discutir sobre el sexo de los ángeles.

La teoría es delirante del todo, y existen demasiados detalles que no calzan unos con otros como para tomárnosla demasiado en serio. Uno de los argumentos esgrimidos, por ejemplo, es que cierta casa rodante aparece en dos películas diferentes, en una todavía nueva y otra medio oxidada, cuando en realidad, considerando que se trata de Monsters Inc. (en el presente, no el futuro de monstruos) y Bichos, debería haberse desintegrado. Eso, por no hablar de las millones de posibles explicaciones paralelas. Repasemos algunas que he encontrado en Internet, sólo por diversión.

Una posibilidad es que Los Increíbles no describe eventos históricos, sino que es una película dentro del Universo Pixar, quizás una de las que Carl y Ellie, la pareja entrañable de Up, veían juntos en el cine; en esencia, Los Increíbles es el equivalente dentro del Universo Pixar, de lo que el Universo Cinemático Marvel es para nosotros. Cosas similares se han argumentado acerca de Cars y Cars 2, las películas sin lugar a dudas más difíciles de encajar dentro de la teoría. O de que Boo nunca viajó en el tiempo a la Edad Media, pero sí es la dueña de Jessie en Toy Story 2. O la increíble teoría alternativa según la cual Cars en realidad se ambienta no antes sino después que WALL-E, y los automóviles son humanos que consideraron razonable, por algún motivo, transferir sus mentes a máquinas. O bien, siempre dentro de esta línea según la cual Cars se ambienta después de WALL-E, son los humanos quienes desaparecieron, o decidieron que era mejor volver a las estrellas, y las máquinas evolucionaron en esa dirección; el egoísmo inconsciente de esos automóviles habría sido el golpe final contra el planeta, que habría derivado en la crisis energética sufrida por los monstruos en la sociedad final. O bien, otra posibilidad que, puestos a inventar, por qué no... los automóviles de Cars en realidad son la descendencia en otro planeta de un experimento fallido de Síndrome de Los Increíbles (se ha propuesto, aunque Cars 2 echó abajo esa posibilidad). Y la más delirante de todas las posibilidades: en realidad estamos viendo las películas que ruedan un grupo de actores hollywoodenses en un universo estilo Quién engañó a Roger Rabbit, y las apariciones de unos personajes en otras películas en realidad son cameos de estos actores, igual a como que Will Smith aparezca en El día de la independencia y Soy leyenda no hace que ambas películas estén conectadas (¿o sí...? ¿Y si pudiéramos diseñar la Teoría Smith en la cual todas las películas de Will Smith están conectadas entre sí, y con El príncipe del rap también...?). Y así.

Pero sin embargo, poniéndose una mano en el corazón... ¿no pagarían ustedes por ver una saga generacional estilo Robotech que tomara todo este extenso argumento de la Teoría Pixar, y lo desarrollara en una serie de televisión de 85 episodios? Yo sí que pago. De hecho, si en algún minuto montan una reunión, o algún cine crea un festival, en donde se exhiben las películas en maratón y en el orden cronológico que hemos establecido... yo las veo. Dos veces, o las que haga falta. No es por nada que las películas Pixar se tienen bien ganado su estatus de clásico, y si además dan lugar a teorías tan divertidas como ésta, entonces qué mejor.

miércoles, 18 de febrero de 2015

¿Transcurren todas las películas Pixar en un mismo universo? (1 de 2).


Una de las características más notables de los estudios Pixar en su época clásica, era su renuencia a sacar secuelas de sus grandes éxitos y construir franquicias. Toy Story 2 la rodaron básicamente porque la Disney amenazó con sacarla ellos en un directo a DVD si es que la propia Pixar no lo hacía. Hablamos de la época en donde la Disney sacó secuelas, precuelas, intercuelas y paracuelas directo a DVD de El Rey León y Peter Pan, e incluso ¡El zorro y el sabueso!, de manera que la amenaza era muy tangible y real. De manera que, puestos entre la espada y la pared, la Pixar decidieron sacar ellos la secuela, y asegurarse de que la misma tuviera un mínimo de calidad que fuera. Por supuesto, eran otros tiempos, porque una década después...

...vino Toy Story 3, que al menos era buena. Y Cars 2. Y Monsters University. Porque al paso en que va, Pixar va a terminar sacando Toy Story vs. Monsters, o Cars vs. WALL-E... En fin, el caso es que se rindieron al esquema financiero cinematográfico, y muy en particular al principio sagrado según el cual el dinero está en las secuelas. Dicho de manera más cruda, Pixar ahora es una productora con varias franquicias, las cuales explotará hasta que no sean redituables; y de ahí, quizás, sólo quizás, venga un reboot acompañado del trailer que dirá "acompáñenos en un viaje por la nostalgia, en este regreso a los bienamados personajes que llegan para toda una nueva generación de espectadores" o algo así. Pero por lo pronto, sin hacer demasiado futurismo y volviendo a 2.015... Recién ahora es que viene la primera película que no es secuela o precuela de otra, desde Brave, y de ahí, desde Up, y que será Intensa Mente. Pixar, quién te ha visto y quién te ve...

Pero hay una manera alternativa de leer esto. Porque uno podría argumentar, con un poco de imaginación, que la Pixar clásica no estaba interesada en secuelas y en franquicias porque todas las películas Pixar son una misma franquicia y transcurren en un mismo universo compartido. Es decir, las películas Pixar serían el equivalente en animación de, digamos, el Universo Cinemático Marvel, en donde hay varios personajes y franquicias que funcionan más o menos por separado, pero que en realidad están interconectados. Lo que estaríamos viendo entonces es la Fase 1 del Universo Pixar, y sólo falta un megaevento tipo Los Vengadores que reuna a todos los personajes con un pretexto cualquiera, y trabajo hecho. Por cierto, como apreciaremos más adelante, los pretextos argumentales para dicha idea ya existen en el supuesto Universo Pixar. Un concepto alucinante, pero que, créase o no, ha sido explorado y desarrollado, y la verdad es que, forzando un poco los argumentos, la idea no carece por completo de sentido...

En realidad, la idea es tan vieja como por lo menos Buscando a Nemo. Pero salvo error o omisión de nuestra parte, quien parece haber llevado más lejos la idea o el concepto es Jon Negroni. Con una voluntad implacable para atar cabos, incluso allí donde probablemente no haya cabos en primer lugar, el hombre ha construido una completa teoría conspiranoica que prueba, más allá de toda duda posible, o eso cree él a lo menos, que en efecto, las películas Pixar son la crónica de un vasto universo que va desde el más lejano pasado hasta el más distante futuro. O no tan lejano pasado: desde la Edad Media, por lo menos, porque de romanos o cavernícolas, Pixar no ha sacado ninguna por el minuto. El trabajo realizado ha llegado a una profundidad tal, que asusta. Y mucho. Sea porque tenga razón... o porque no la tenga. Uno se pone a pensar en cuál de las dos opciones será peor. Si leen inglés, entonces pueden ustedes leerlo por ustedes mismos pinchando este enlace. O bien, si gustan, y siempre con la misma limitante de saber inglés, pinchando este otro enlace. Deben notar que ambos presentan más o menos la misma historia, pero en un sitio privilegian el orden cronológico, y en otro, narrar la historia en tramas paralelas. Además, la cronología presentada varía ligeramente; a falta de referencia interna, una considera que el año de ambientación es el año del estreno, y otra que la ambientación no tiene nada que ver con el estreno. O sea, empezando debates teológicos acerca de las diversas posibles interpretaciones, las historias de la Pixar han emprendido el camino que las llevará a tener éxito allí donde el Así habló Zaratustra de Nietzsche fracasó: en ser el Nuevo Evangelio para los próximos dos mil años.

Pero puede que ustedes sean demasiado flojos. O simplemente no sepan leer inglés. ¡Guillermocracia al rescate! Acá en la Guillermocracia andamos un poco flojos por estos días, así es que nos vamos a contentar con copiar y pegar un resumen de la teoría conspiranoica de marras. Esquematizada para gusto de nuestras audiencias, por supuesto. De manera que prepárense, porque lo que van a leer es simplemente delirante. ¡Hasta podría ser una Interminablelogía bastarda! Allá va.

O casi. Antes, una nota. Las películas están numeradas por el orden de la cronología interna en que transcurren. Pero además de eso, hemos añadido un número de paréntesis que se corresponde con el orden en que fueron estrenadas. O sea, cuando ustedes lean en Brave que es la película 1 (13), eso significa que es la primera película dentro de la cronología interna de la (supuesta) serie, pero la número 13 en ser estrenada dentro del canon Pixar. Más desarrollado y a prueba de flojos, imposible.

Bien, sí es posible. Podría hacer un dibujito o esquema y subirlo. Pero no lo voy a hacer. Para que ustedes pongan algo de su parte. Que por desearlo todo masticadito, ustedes ya parecen estudiantes universitarios de pregrado.

1 (13).- Brave.

Escocia durante la Edad Media. O en una Edad Media paralela con romanos, vikingos, kilts... y Mel Gibson no porque él es demasiado futurista. La princesa Mérida decide rebelarse contra las convenciones sociales, y logra que su madre acabe convertida en oso. En términos cronológicos es la única película Pixar que transcurre en el pasado más o menos remoto, y además es la única que arroja una explicación acerca de por qué en las películas Pixar hay tantos bichos que piensan y hablan. O dos posibles explicaciones, mejor dicho, que no se oponen entre sí, y de hecho podrían solaparse en una sola. Una es que la magia ha dotado a determinados animales de inteligencia; la otra, que ciertos seres humanos han sido reducidos a la condición de animales por obra de la magia. A la larga, la magia terminará desapareciendo (¿o no?), pero sus efectos permanecerán: aunque algunos animales volverán a ser las criaturas infrahumanas de siempre, la descendencia de algunos otros portará en sí el gen de los animales que piensan. Pero queda una pregunta en el aire: ¿Por qué la bruja tiene poderes mágicos? Sigan leyendo y lo averiguarán.

2 (6).- Los Increíbles.

Más o menos en paralelo o quizás un poco después, por alguna razón, algunos seres humanos desarrollan superpoderes, los que utilizan para luchar contra el mal. ¿Ultimos remanentes de la magia? ¿Explosiones nucleares? ¿Demasiado Keynesianismo? Quién lo sabe. Es la era de los superhéroes, de todas maneras, como queda en evidencia por cruzados de capa salidos de un cómic de la Edad de Plata, enfrentados a criminales con guaridas al estilo villano Bond. Eso sí, sucede lo obvio, que los seres humanos son unos ingratos y consiguen que los superhéroes deban replegarse. Pero en la sombra, un villano llamado Síndrome desarrolla un plan para convertirse en el más grande superhéroe de todos. Uno que implica llevar al límite tanto la robótica como la Inteligencia Artificial. El hijo regalón de Síndrome es el Omnidroide, un combatiente artificial destinado a crear el caos... que se rebela contra su Creador. Al final, los Increíbles le enseñarán al Omnidroide que unos cuantos meses de manufactura en una isla secreta no son competencia para cuatro mil millones de años de evolución biológica y un montón de chulería profamilia (sin capas), y lo aplastarán... por el minuto. Porque la nueva tecnología autoconsciente ha dejado la puerta abierta, y pronto vendrán otros robots... han quedado así sentadas las bases para el apocalipsis robótico que, dentro de no demasiado tiempo, sufrirá la Humanidad. Y frente a eso, debido a las maquinaciones de Síndrome... no quedará casi ningún superhéroe que sea capaz de detener la amenaza.

3 (1).- Toy Story.

Alguna vez argumentamos en la Guillermocracia que si llegaba un apocalipsis robótico, no iba a ser a lo grande, con un Skynet apoderándose del planeta, sino de manera más larvada, tan a plena vista de todos que nadie en realidad iba a darse cuenta. En Los Increíbles se señalaba la existencia de una fuente de poder que alimentaba los rayos láser de Síndrome. Pues bien, esa fuente de poder sigue existiendo, y cualquier robot con circuitos lo suficientemente avanzados puede accesar a ella... y evolucionar. Robots como juguetes, por ejemplo. De hecho, de manera inadvertida para los humanos, algunos juguetes comienzan a cobrar autoconciencia. Por el minuto son dóciles a los seres humanos, convencidos de que deben servirlos. En respuesta, experimentan día a día el abuso por parte de esos mismos seres humanos. Los juguetes descubren que para los humanos son cosas de usar y tirar, y llegan a la conclusión de que si quieren mantenerse con vida, tendrán que luchar por su supervivencia. Lentamente, el equilibrio entre humanos y robots comienza a romperse, y el día del apocalipsis robótico se vuelve cada vez más cercano...

4 (3).- Toy Story 2.

Los juguetes ya han tomado conciencia de sí mismos y saben que, para sobrevivir, deben confiar en sí mismos y no entregarse a las manos de sus amos humanos así como así. Algo que se vuelve mucho más evidente cuando, de pronto, los juguetes son abandonados. Ahora conocen de manera directa lo que significa perder la mano protectora de un ser humano. Pueden seguir teniendo una existencia cómoda como piezas de museo, por supuesto, pero ¿eso es todo? Jesse está resentida por haber sido abandonada, y Woody mismo empieza a cuestionarse cuál es su rol en el mundo. ¿Deben servir pasivamente a los humanos, o deben empezar a tomar sus propias decisiones más allá de su supervivencia, buscando sus propios objetivos y metas con independencia de sus creadores? ¿Son juguetes, piezas de museo, seres inteligentes con derechos propios...? Las cosas se saldan con un regreso al saludable status quo. Por el minuto, a lo menos. Pero falta muy poco para que las cosas se vuelvan realmente feas...

5 (5).- Buscando a Nemo.

Los seres humanos todavía se enseñorean sobre la superficie terrestre y se consideran los amos de la Creación. Si miraran debajo de los mares, quizás pensarían distinto. Bajo la superficie marina existe toda una comunidad de animales que, desde la época medieval a lo menos, ha tenido tiempo suficiente no sólo para evolucionar y adquirir inteligencia propia, sino también para construir su propia sociedad en paralelo al mundo terrestre. Es una sociedad todavía no demasiado sofisticada, sin tecnología, y con rudimentos de orden social, pero está ahí, evolucionando, lejos de las miradas de los bípedos caminantes sobre la faz de la Tierra. Pero para los humanos, los mares sirven sólo como vaciadero de sus porquerías, o como un lugar a partir del cual depredar animales coloridos con los cuales llenar acuarios. De hecho, estos animales son tan inteligentes y sociales, que pueden organizarse y ayudarse para que un padre desesperado cruce la mitad del océano para ir en rescate de su vástago secuestrado por los humanos depredadores, para servir de regalo a la tarada hija de un dentista cuya afición es hacer pupa de pez. Por cierto, en esta película comienza a aparecer, de manera incidental, apenas en un cuadro congelado, una sigla que se hará prominente con el paso del tiempo. Nos referimos a BNL, Buy-n-Large, empresa que tendrá una relevancia suprema en el futuro de la Humanidad, y del planeta en general.

6 (8).- Ratatouille.

A pesar de que existen los animales que piensan y hablan, éstos no son demasiado bien recibidos porque el único animal al que se le tolera que piense y hable, es el ser humano. Por eso, el sueño de Remy de convertirse en chef es una total estupidez. De todas maneras, en París, éste consigue encontrar a un amigo humano con el cual compartirá cocina. Esa es la magia de París, que consigue que las ratas hablen y sean chefs de cocina, y que Carrie se reconcilie con Mr. Big al final de Sex and the City. Más inquietantes son las implicaciones que tiene el trasfondo de la película. Los animales que hablan no sólo han conseguido sobrevivir, sino que incluso, explotando a los miembros más tarados de la especie humana, pueden surgir y prosperar. El dominio humano sobre el planeta está a punto de acabarse y, por supuesto, los humanos son los últimos en enterarse.

7 (11).- Toy Story 3.

Sucede lo inevitable. Algunos juguetes llegan tan lejos en su avance hacia la autoconciencia, que finalmente rompen las cadenas de la programación humana y comienzan a pensar por sí mismos. Uno de ellos, Lotso, empieza a erigir su propio imperio, secuestrando y manteniendo a su propio estado policial de juguetes. Es cierto que el gobierno de Lotso es un Drittes Reich en versión juguete, pero éstos parecen aceptarlo porque, según vemos, la alternativa es ser abusados física y emocionalmente por unos humanos que, por no saber, ni siquiera se dan cuenta de que están vivos (y si lo hicieran, las cosas quizás no serían demasiado distintas). Todavía quedan otros juguetes que creen en tonterías tales como la convivencia pacífica de juguetes y humanos, cuales X-Men (¿o X-Toys?) de toda la vida, pero no nos engañemos: los días en que los seres humanos y los robots conviven pacíficamente se han acabado. Y el futuro les pertenece a los robots. Los años de los juguetes estilo Tío Tom se están terminando. Por cierto, ¿ya vieron el eslógan de qué corporación hay en una imagen congelada de la película? Exactamente, nuestros amigos de BNL.

Ya hemos llegado casi a la mitad del canon Pixar, tal y como está integrado en el año 2.015. Nos falta todavía una película más ambientada genéricamente en el presente, que es Up, y luego viene lo realmente bueno: el futuro de la Humanidad. Y de las máquinas. Y de los animalitos que piensan y hablan. Pero si la Fase 3 del Universo Cinemático Marvel va a partir Los Vengadores 3 en dos entregas, entonces por qué no nosotros. De manera que, para enterarse en qué acaba todo esto, entonces sigan en las pantallas de la Guillermocracia, para leer la segunda entrega y final de este posteo. Y no olviden comprar en BNL, por supuesto. El futuro de la Humanidad no se los agradecerá.

domingo, 15 de febrero de 2015

Michael Cretu y Sandra: Esa dupleta germana.


No se puede decir que sean populares hoy en día. Conocidos, sí. Quien no los conoce de nombre, al menos ha escuchado la música. Los fanáticos ochenteros, las canciones de Sandra. Los adeptos de la electrónica instrumental, los trabajos del proyecto musical Enigma. O el trabajo, si se considera que la canción más reconocible es Sadeness Part I, por haber sido licenciada para los fines más inesperados. Pero confesar que te gusta Sandra, Michael Cretu o Enigma es prácticamente cometer suicidio social. De manera que no encontrarás sus nombres en ningún blog con más de treinta seguidores. Como la Guillermocracia no alcanza todavía esa cifra, puede darse esta clase de gustos.

Inicialmente, esto iban a ser dos posteos separados, uno dedicado a Sandra, y el otro a Enigma. Pero la historia de ambos está tan intrincada, que es casi inoficioso. Mejor dedicarles uno solo en combinación. No en balde, Michael Cretu y Sandra Ann Lauer fueron matrimonio. Después de que él, hasta la fecha un discreto productor musical medio rumano afincado en Alemania, la tomó a ella bajo su ala. Además, los parecidos musicales son bastante evidentes. Natural, si se considera que Michael Cretu componía las canciones que después interpretaba Sandra. De manera que lo mejor es dedicarles un único posteo en combinación, y nos podemos ir a dormir tranquilos con la satisfacción del trabajo bien hecho. Como de costumbre en la Guillermocracia.

En vez de hacer un sesudo análisis de la evolución primero convergente, luego conjunta y al último divergente entre ambos, simplemente haremos un repaso por algunas de sus canciones, algunas de ellas emblemáticas, otras más bien curiosidades, y alguna que otra francamente detestable, pero que incluimos de todas maneras por completismo. Y a propósito de ellas, iremos hablando un poco de cómo fueron evolucionando las cosas. Fácil y bonito. Y sin más preámbulos...

1.- Arabesque - Friday Night [Friday Night - 1.978].



Es ley de vida que la nostalgia se alimenta de la supervivencia darwiniana de lo mejor de cada era, mientras que el material más vergonzoso o embarazoso es enterrado rápidamente bajo la arena. ABBA es una de las mejores bandas pop de la década de 1.970 y de todos los tiempos, pero detrás de su éxito vinieron un montón de clones olvidados, y con justa razón. La respuesta alemana a ABBA se llama Arabesque. No se lo pensaron mucho, y lo planificaron como marketing a la vena: poner a tres chicas guapas, o suponemos que eran guapas para los estándares de una época anterior al depilado brasileiro, a cantar baladas melosas y con arreglos discretamente funkies. Nadie se acordaría hoy en día del horripilante material de Arabesque si no fuera porque Sandra partió ahí. Incluso pueden ustedes hacer la prueba de ver el video, y tratar de adivinar cuál de las tres es Sandra. Y una vez que la descubran, reirse un rato de sus pintas de chica remilgada setentera, años antes de su cambio de look en la estela de Madonna para su disco debut de 1.985.

2.- Michael Cretu - Am I Alone [Legionäre - 1.983].



Mientras Sandra trataba de hacerse un nombre desperdiciándose en Arabesque con otras dos chicas de las que no mucho más se supo, Michael Cretu había llegado desde Rumania con amor, hasta Alemania, para tratar de hacerse un lugarcito en la escena musical más importante que fuera alternativa al omnipresente mercado anglosajón. El apellido Cretu lo delata como rumano, porque muy alemán no suena, que digamos. Eran los años en que había una activa Neue Deutsche Welle alternativa a la New Wave que nacía en Inglaterra por esa misma época (Neue Deutsche Welle significa Nueva Ola Alemana, por más señas, lo que sería German New Wave en inglés). Michael Cretu lanzó tres discos en solitario (Moon, Light & Flowers de 1.979, Legionäre de 1.983 y Die Chinesische Mauer de 1.985), una mezcla de la floreciente Neue Deutsche Welle con algo de música setentera que se negaba a dejar la escena, porque como sabemos, el Italo Disco ochentero es una evolución más electrónica de la Música Disco setentera. Sin ser ninguno una maravilla, no están nada de mal si les gusta el pop sofisticado con sintetizadores de la época. Si ustedes son otra persona más que tienen el carnet del fanclub de Enigma dentro del closet, escuchar este material tiene un punto de interés adicional porque Michael Cretu recicló después un poco de este material, tanto para Sandra como para Enigma. Por cierto, presten atención al riff electrónico de Am I Alone, y traten de adivinar en qué famosa canción posterior de Sandra, Michael Cretu más o menos reutilizó el mismo.

3.- Sandra - Japan ist Weit [single - 1.984].



Si usted escucha un compilado de teclados ochenteros estilo Synth80s, hay posibilidades de que alguno de los números sea Big in Japan de esa banda two hit wonder que fue Alphaville, puesto que su otro exitazo fue Forever Young (la canción no es original de One Direction, como pueden observar). Menos conocido es que el segundo single de Sandra como solista es... un cover de Big in Japan. Que al mismo tiempo es la primera colaboración de ella con Michael Cretu. Porque como no pasaba mucho con su carrera como músico, Cretu decidió pasarse a la producción, encontrando en Sandra un potencial diamante en bruto. Lo que crea la situación singular en que un productor rumano cobijó bajo su ala a una cantante alemana para cantar un cover en alemán de una canción originalmente en inglés cantada por una banda alemana... ¿Entendieron algo? No importa. El caso es que no pasó nada con Japan ist Weit. Hasta donde tengo entendido, la canción ni siquiera ha sido incluida en discos oficiales posteriores de Sandra, como no exceptuemos algún compilado de rarezas o algo así, que ignoro si se ha lanzado, pero alguno habrá porque el negocio es el negocio. De todas maneras, no importa. Es un hito histórico, la primera colaboración entre Michael Cretu y Sandra. Además de escuchar un muy estimable hit ochentero, en la voz de nuestra chillona alemana favorita, lo cual, por supuesto, no tiene precio. Por cierto, ya que dijimos que es el segundo single, si se están preguntando por el primero, es una horrible canción disco llamado Andy mein Freund, cuyo ñoño título (Andy mi amigo, y mejor no les digo quién es el tal Andy) lo condenó pronto al olvido: escuchen el horror por ustedes mismos si se atreven, pinchando el enlace.

4.- Sandra - (I'll Never Be) Maria Magdalena [The Long Play - 1.985].



En 1.985, ¡por fin!, Sandra Cretu sacó su primer disco solista. Producido por Michael Cretu, faltaba más. El long play se llama, de manera muy creativa... The Long Play. Y contiene los dos más grandes exitazos de Sandra, que son (I'll Never Be) Maria Magdalena, y el tema que abre el disco, que es In the Heat of the Night. Este último, mejor conocido por los góticos debido al correcto pero no muy estimulante cover que sacó To/Die/For en 2.000. Como curiosidad, digamos que la versión del album de (I'll Never Be) Maria Magdalena llega a pocos segundos de alcanzar los seis minutos, y tiene su cuota de relleno e ida de olla de Michael Cretu con los arreglos electrónicos, por lo que la versión single de cuatro minutos es bastante mejor. Considerando que la carrera de Sandra no despegó después más allá, quedándose relegada a la condición de clásico de culto, salieron varias versiones remezcladas posteriores, para explotar el tema a intervalos regulares. Así, hay una versión de 1.993 que se limita a remozar un poco el sonido, y luego una no muy meritoria versión de 1.999, mejor dejémoslo así.

5.- Sandra - Secret Land [Into a Secret Land - 1.988].



Con Sandra se cumplió la clásica maldición por la cual el primer disco tiene relevancia, y el segundo se saca un poco a toda pastilla para aprovechar el tirón, y suele ser de calidad inferior; Mirrors tiene temas estimables como Innocent Love, y el que cierra el disco, que es la balada Loreen, pero en general el nivel deja que desear. Para el tercero es que lo sacaron todo de la olla. Into a Secret Land es el mejor disco de Sandra, producido, por supuesto, por Michael Cretu, si por algo los echamos a los dos a saco en el mismo posteo. Por incluir cosas, tiene incluso hasta un guiño al público español, cual es el tema La vista de Luna (sic), que de hecho salió como single para el mercado español, sin que pasara mucho con éste, todo sea dicho. No salieron como singles, pero son de lo mejor de la discografía de Sandra, temazos como Crazy Juliet o Celebrate Your Life. Y los tres primeros temas, que salieron cada uno como single, conforman un combo imbatible: Secret Land, We'll Be Together, y Heaven Can Wait. Bueno, técnicamente Secret Land es un cover de Trenchcoat Man, canción de un proyecto alemán de corta duración llamado Fabrique, con la letra cambiada, pero éste es un caso en donde el cover mejora el original. En cuanto a We'll Be Together, Sandra fue una de las coautoras, toda una rareza porque aparte de un tema de 1.992 (Close to Seven), Sandra no se metió para nada en escribir los temas hasta su disco The Art of Love de 2.007. Como sea, Into a Secret Land es un disco ampliamente recomendado para cualquiera que le guste la electrónica ochentera, la electrónica alemana, o la electrónica a secas.

6.- Enigma - Sadeness Part I [MCMXC a.D. - 1.990].



En 1.990, un poco de la nada, salió un disco bastante peregrino, llamado MCMXC a.D., producido por un tal Curly M.C. Poca gente en la época descubrió que el hombre tras dicho seudónimo no era otro sino Michael Cretu. No era para menos. Después de todo, Michael Cretu no había brillado demasiado en su carrera como músico, y como productor... bien, los que siempre brillan en este caso son los producidos. El disco era un híbrido entre cantos gregorianos, New Age, y música electrónica con las revoluciones bajadas al mínimo para que la máquina siga funcionando. La ecuación resultó de maravillas, y de hecho creó un nuevo subgénero musical que podemos llamar Electrónica Gregoriana, y que con algunas infusiones posteriores de música étnica, fue el camino a seguir para varias otras bandas clones como Gregorian, Era, Delerium, y un largo etcétera. Pero para el enorme impacto que tuvo este disco, lo cierto es que ha sido bastante menospreciado por el público y la crítica, incluso siendo de buen tono el denostarlo, lo que por supuesto es una injusticia enorme, porque es uno de los pocos discos de los cuales se puede predicar que es notable de principio a fin. En su versión original, al menos, porque en ediciones posteriores ha salido con algunos bonus track que en realidad desperfilan un poco lo bueno del resultado. En cualquier caso, en la década de 1.990 era imposible escapar del tema Sadeness Part I, que era utilizado en comerciales televisivos, música de fondo de reportajes televisivos... Y un divertido trailer ficticio en la película Thunder Tropic (Una guerra de película en Latinoamérica, Una guerra muy perra en España). Por cierto, no mucha gente en la época se enteró, y hoy en día tampoco terminan de enterarse, de que la voz femenina grave y sensual de fondo es Sandra, por entonces Sandra Cretu porque en el intertanto, el par de tórtolos se habían casado. Y es que el cambio desde la chillona Sandra ochentera hasta esta versión más pausada, es bastante notorio. Es lo que tiene el matrimonio, que vuelve graves a las personas.

7.- Enigma - Return to Innocence [The Cross of Changes - 1.994].



¿Fue Enigma un tiroteo de una sola bala, y después recargaron la recámara, o desde siempre que Michael Cretu tenía intenciones de seguir con el proyecto adelante? Sea como sea, el segundo disco de Enigma, The Cross of Changes de 1.994, se marcó un enorme viraje. Si bien la base de electrónica y New Age siguió presente, arrojó la electrónica por la ventaja y privilegió los arreglos de música étnica, un poco siguiendo la tendencia buenrollista que fue patrimonio de la década de 1.990, la época en que todos íbamos a ser un solo mundo unido. Qué tiempos aquellos. Si bien The Cross of Changes es un disco de calidad musical discutible, tiene algunos puntos bastante altos, y entre ellos está Return to Innocence, un sentido tema que invita a la evocación y la nostalgia. Y Out of the Deep, que también salió como single, si me apuran.

8.- Enigma - Beyond the Invisible [Le roi est mort, vive le roi - 1.996].



Aunque MCMXC a.D. es un disco más sólido, Le roi est mort, vive le roi, el tercer disco de Enigma, es quizás el mejor de todos, en buena medida por fusionar el sonido gregoriano del primero y étnico del segundo, en lo que es el momento más creativo del proyecto. Con este disco pasa un poco al revés que con el primero: ése era una pieza íntegra como disco, pero los temas individuales funcionaban más como piezas del todo que por sí mismos, mientras que en Le roi est mort, vive le roi, cada tema es en general bastante sólido, mientras que el disco en su conjunto se siente menos concentrado como un todo. Una vez más, Sandra Cretu provee algunas voces de fondo, incluyendo Beyond the Invisible, tema que salió como single del disco, y que es una hermosa canción de trascendencia y búsqueda espiritual.

9.- Sandra - Dear God... If You Exist [The Art of Love - 2.007].



En cuanto a Sandra se refiere, en 1.992 lanzó el disco Close to Seven, cuyo título alude a sus siete años de carrera como solista, que parecieran toda una vida, y con un sonido algo más cercano a Enigma que a su material clásico; eso, además de 18 Greatest Hits, que compila los singles de Sandra entre 1.985 y 1.992, y que fue relanzado como The Essential en 2.003. Y a partir de entonces, la carrera de Sandra se eclipsó, prodigándose cada vez menos con nuevo material (tres años hasta Fading Shades de 1.995, y de ahí, siete hasta The Wheel of Time de 2.002). Por alguna razón, el matrimonio de Sandra y Michael Cretu se vino abajo en 2.007, a meses de los veinte años de casados. Y en paralelo... la carrera de Sandra resucitó. Por primera vez, ella tomó parte activa en la composición del disco, y además trabajó con un productor que no era Michael Cretu (exceptuado Andy mein Freund, y su paso por Arabesque, por supuesto). El resultado es un disco bastante sólido, quizás no tan memorable como el material clásico, pero que logra evitar el cliché del artista maduro que compone material sin garra para contento de fanáticos ya crecidos que también han perdido las garras. Por cierto, uno de los temas incluidos, Casino Royale, es un cover de un tema interpretado originalmente por una cantante polaca llamada Edyta Górniak, pero el verdadero tip para el público latino es que en los créditos de la composición de la mentada Casino Royale figura Marie-Claire D'Ubaldo. ¿No se acuerdan de ella? Mejor por ustedes.

10.- Sandra - In a Heartbeat [Back to Life - 2.009].



Es una desgracia que The Art of Love haya sido seguido por Back to Life. En este disco, Sandra trabajó con Thomas Anders, uno de los integrantes de Modern Talking, y con Toby Gad, tipo que ha colaborado con Fergie, Shakira, Beyoncé, y otras famosas cantantes del género musical que bien podríamos llamar Plastic Pop. El resultado de esta mescolanza es un disco de pop electrónico genérico, plagado de la peste del autotune para disimular que, es triste decirlo, la voz de Sandra se ha visto un tanto perjudicada con los años, y que se escucha casi como un pataleo desesperado por parte de una cantante ochentera por mantenerse vigente. Back to Life no es tampoco un mal disco, pero es casi inevitable pensar que la composición de las canciones hubiera brillado mucho más si éstas no hubieran estado tan sobreproducidas. Por lo demás, esto no es único de Sandra, porque la verdad es que la música pop en general, hoy en día gracias al maldito autotune y a la todavía más maldita loudness war, suena que es un horror. Nyarlathotep podría sacar un disco y grabar un videoclip, y nadie lo distinguiría cantando en medio de la morralla de músicos pop de la actualidad.

Y ése fue nuestro breve y sucinto recorrido por el repertorio de dos artistas, Michael Cretu y Sandra Lauer, que partieron separados, se unieron para crear material musical del que hace leyenda, y para después seguir caminos separados nuevamente. La vida es así, y nada de lo bueno dura para siempre. Pero no importa. Para mirar con nostalgia, siempre tendremos la Guillermocracia, ¿no?

miércoles, 11 de febrero de 2015

Las cinco etapas del duelo sentimental: La verdadera tragedia es enamorarse.


A estas alturas del partido, es conocimiento común que todas las catástrofes y pérdidas de la vida nos hacen enfrentarnos a las llamadas cinco etapas del duelo sentimental. Incluso hasta las catástrofes y pérdidas de la vida que no nos hacen enfrentarnos a esas cinco etapas. Porque en Los Simpsons le han dado a las famosas cinco etapas no una sino dos veces; en una ocasión, en un capítulo en donde Lisa Simpson le explicaba a Bart acerca de las etapas, aplicándolo a un quiebre de su pareja, y en otro capítulo, en donde le anunciaban a Homero Simpson que se iba a morir. Y si sale en Los Simpsons, debe ser verdad, o al menos, debe serlo si sale en Los Simpsons cuando eran buenos. Lo cierto es que esas etapas han sido codificadas en la siguiente secuencia: primero negación, segundo ira, tercero negociación, cuarto depresión, y quinto aceptación. Sea cierto o no, el caso es que las famosas cinco etapas han encontrado aplicación en varias tragedias, incluyendo las rupturas sentimentales. Porque incluso cuando las cosas están tan complicadas como para terminar o matarse, hay algo que se pierde. Se echa de menos su calor. O bien, sus grandes pechos. O por otra parte se extraña... se extraña... lo que sea que yo extrañe de la primera chica con la que fuimos pareja, que quizás algo aparezca si me pongo a rastrillar en mi memoria. O incluso, cuando no hay nada que extrañar de la chica porque ella era un completo desastre más allá de toda posible redención, a lo mejor ella tenía una gata tricolor a la que da pena el no volver a ver jamás. Y al revés, seguro que vale lo mismo cuando se termina con un chico, supongo.

Pero esto es la Guillermocracia, y esto es un especial de No al Día de los Enamorados, que ya cuenta con dos entregas previas aquí (10 historias románticas que terminan muy mal, y 12 horripilantes mitos románticos y sexuales griegos), de manera que propondremos una teoría todavía más ultrista que la anterior. Porque la hipótesis que propondremos, es que la verdadera tragedia en una relación amorosa no es que ésta se termine por fallecimiento o separación, sino que ésta haya empezado en primer lugar. Un poco en la línea de que la única manera de ganar una batalla amorosa es no librándola en primer lugar.

Piénsenlo. De pronto conocen a esa persona especial, y pierden la cabeza. Se embotan como si les llegara una droga al cerebro. De hecho, en términos neuroquímicos, el romance funciona exactamente igual que una inyección de la buena. O dicho de otra manera, el romance es una droga legal. En los cines, las películas románticas deberían calificar R, porque las personas enamoradas, lo que están haciendo es drogarse; por qué si en la película el personaje se inyecta heroína a la vena, es una cinta para adultos, pero si se enamora puede ser incluso para todo espectador, es un misterio para las eras geológicas por venir.

¿Y por qué el amor es una droga? Simplemente porque estamos programados de manera evolutiva para enamorarnos. El enamoramiento crea un lazo a través del cual una pareja va a querer tener eso, y cuando lo tengan, embarazo viene. Los seres vivos hemos llegado a nacer a través de la selección natural. Si estás vivo, es porque quienes te parieron y dieron el ser, a su vez tuvieron a alguien que los pariera y les diera el ser... y así, hacia atrás, hasta el légamo primordial desde el cual se arrastró el primer procariota. Y los seres de los cuales desciendes, son aquellos que tuvieron más éxito al reproducirse. ¿Y qué garantiza más el éxito reproductivo que amarrarse en una relación de pareja porque se está enamorado...?

Si la reflexión anterior les parece demasiado cínica, les recordaré cuándo y en dónde están. El dónde es la Guillermocracia, el lugar en donde hemos posteado artículos insignes del género destrozando mentalidades idealistas como Personas imposibles, Sea mala persona: Piense positivo, o Los dos cinismos. Y cuándo es... faltando tres días para el Día de los Enamorados. Y la tradición del posteo antirromántico de ocasión no es para arrojarla por la borda de buenas a primeras. De manera que... aquí vamos. Por vez tercera, porque no hay segunda sin tercia. Y siguiendo la tradición de los posteos antirrománticos para el Día de los Enamorados, dedicados por supuesto a toda la gente que no está enamorada, o que está enamorada y lo está pasando mal... éstas son las cinco etapas del duelo sentimental después de la tragedia de haberse enamorado.

1.- Negación.
  • "¡Es la mejor pareja que he tenido jamás!".
Las personas que sabemos un poco sobre cómo funciona la evolución de las especies, tenemos conciencia de que el enamoramiento es esa jugarreta que en que nos mete el cerebro para que nos reproduzcamos. Las personas que lo ven con claridad, son aquellas que no están enamoradas. ¿Ustedes se han fijado alguna vez en lo ridículos que se ven los enamorados, diciéndose cosas cursis, haciendo cosas cursis, vistiendo ropa cursi, viendo películas cursis...? ¿Y qué es lo primero en que piensan cuando se han curado de una herida de amor? Algo en la siguiente línea: "¡Cómo fue posible que me comportara como un tonto(a), dejando caer así las babas por ese(a) sujeto(a) que, ahora que lo(la) veo bien, no tiene ningún rasgo que lo haga especial! ¡Qué bueno, haberme sacado las anteojeras!". Y lo segundo es: tanta cursilería para nada.

El estado de beatífico nirvana que es el no estar enamorado, dura hasta que una vez más, el siniestro triunvirato de genes, hormonas y química cerebral conspira para que nos agarremos de otra persona hasta el punto de llegar a sentir mariposas en el estómago. Por supuesto, ahora todas esas cosas cursis que uno miraba con ridículo, de pronto se antojan de los más entretenidas. Pero, como lo dijo el sabio Almirante Ackbar: "¡Es una trampa!". Tus genes están haciendo que tus glándulas secreten hormonas que pongan al encéfalo con la corteza cerebral dada vuelta, igual que las moléculas de alcohol etílico te quitan todo el sentido del ridículo en esa fiesta en la que tomaste unas copas de más.

Aquí es donde viene la negación. Es lo mismo que el borracho: "Nnnnoooo, compa'rito, zzzsssiii yyyooo... nnnnno'stoi borracho. Y pássseme las lla'es, que cura'o manejo mejó". Ustedes han escuchado a esa persona recién enamorada, ¿verdad?: "Nnnnoooo, compa'rito, zzzsssiii ella'ssspecial. Y pássseme las lla'es, que enamora'o manejo mejó".

¿Cuánto dura la negación? En algunos casos, toda la vida. Tu cerebro te hizo la jugada, e hizo que sacrificaras tu preciosa independencia para que tus genes se perpetúen en tu descendencia, que si hay mucho amor de por medio, será muy numerosa, tanto que puede llevarte a la quiebra financiera. En cualquier caso, puede que si hay paz y armonía, o siquiera una mentalidad de "contigo mal, pero sin ti peor", al final las cosas duren toda la vida porque, después de todos, ustedes son dos drogadictos terminales. Hasta que uno de los dos muera y el otro se quede sin su dosis, por supuesto. Pero si la negación se termina antes, entonces llega la fase de la...

2.- Ira.
  • "¡Meterme contigo es la decisión más estúpida de mi vida, eres lo peor que me ha pasado, ojalá que te mueras, te vayas al infierno y te despellejen y te cocinen vivo allá!".
Al igual que las borracheras se pasan cuando no entra más alcohol al sistema, y viene una resaca horrorosa a la mañana siguiente, a veces la química cerebral deja de funcionar en modalidad enamorado baboso, y entonces viene la rabia por muchas cosas: por haber sacrificado la independencia, por no tener espacio personal, porque la otra persona no es lo que uno espera, porque uno lo ha dado todo (o piensa que lo ha dado todo...) y la otra persona ha tenido genes más inteligentes que la han inclinado a la mezquindad y a dosificar el cariño para mantener el control de la relación igual que los jeques árabes cierran la llave del petróleo para ahogar a Occidente... En definitiva, la persona se enoja, enfurece, encapricha, e intenta por todos los medios de forzar a su pareja a que vuelva a proveerle de su dosis de droga. Ahora, la persona ve claramente que la otra persona no es su enamorado sino su proveedor de droga, y que la primera dosis era gratis, pero la cantidad que se debe pagar por las siguientes va a crecer, y mucho.

Toda la química del cuerpo humano está predispuesta para sobrevivir en la jungla darwiniana de la evolución de las especies. La ira no es sencillamente un mecanismo de desahogo igual al vapor saliendo de una olla hirviendo, como el común de la gente piensa. En realidad, los síntomas de la ira son producto de la transformación hormonal que está produciendo la adrenalina para preparar al cuerpo a la lucha. En este caso, la pareja se ha transformado en el enemigo que no se quiere doblegar. Aunque los humanos le hemos puesto empeño, diez mil años de civilización no bastan todavía para luchar contra un millón de años de evolución biológica humana.

Si la persona en cuestión es narcisista, o peor aún, una persona imposible, entonces ni la mayor de las borracheras hormonales puede con ella, y la fase de ira suele llegar rápido, lo que se dice muy rápido. Lo interesante del caso es que la fase de ira de uno de los dos puede activar en la pareja el software de lucha o huye, y en la inyección de adrenalina, la borrachera química se espanta, y lo que tenemos como resultado son dos personas iracundas mirándose fijamente, y listas a destrozarse porque cada una quiere la droga, pero ninguna quiere darla primero. Lo anterior está escrito en tono irónico, pero piénsenlo, los abogados especializados en violencia intrafamiliar se ganan el pan con esto. Puede suceder que la sangre llegue al río y termine con uno muerto y el otro en prisión, pero si la racionalidad se impone, entonces viene la...

3.- Negociación.
  • "Estábamos tan bien, lo disfrutábamos, ¿por qué no hacemos un último esfuerzo, por qué no lo intentamos una vez más?".
Todos hemos escuchado esos bonitos cuentos acerca de que conversando se entiende la gente. Lo que es una mentira cochina. En realidad, el que tiene el garrote más grande hace entender al que tiene el garrote más chico, y el más grande ni entiende un pimiento, ni tiene necesidad tampoco. Por algo, en el Ejército de los Estados Unidos decían con mucha sabiduría (y también mucho cinismo): "The beating will continues until moral improves!". Si en una relación sucede que uno está en negación y el otro en ira, el que está en negación es fácil de doblegar, porque basta con disimular la ira, recurrir a zalamerías, y lograr que el otro haga lo que uno quiere convenciéndolo a la vez de que en realidad es el otro quien quiere. Pero si ambos están en ira, y ninguno tiene el poder de hacer trizas al otro a dentellada limpia... empieza ese complejo proceso de manipulación emocional llamado negociar. Como toda negociación, el proceso está lleno de faroles y baladronadas. Frases como "Voy a cambiar" o "La próxima vez invito yo la cena" se vuelven recurrentes. La situación se transforma en una danza de engaños, para ver quién consigue romper la coraza emocional del otro primero. Es un juego difícil, porque es como el juego de la gallina: quien primero cede, termina de esclavo emocional del otro, pero si ninguno cede, la relación se va al demonio. Por tanto, el resultado inevitable de la negociación será la...

4.- Depresión.
  • "Las cosas ya no tienen remedio, soy tan infeliz, nadie quiere hacerme feliz a mí, porque yo lo valgo, mejor voy a comprarme un libro de autoayuda".
La cruda y dura verdad se impone. La relación se ha acabado. Ya no hay más droga. Lo que viene es el estado de abstinencia. En algunos casos tan grande, que la persona en cuestión se embarca en otra relación sin siquiera pensarlo, para seguir recibiendo su dosis de droga. En otros, la persona simplemente se hace un ovillo y empieza a pensar que la opción de morirse no está tan mal. Estos son los menos, porque los que llegan a concretar la amenaza de suicidarse o dejarse morir, tienen en promedio menos descendencia que quienes no concretan dicha amenaza, así es que los genes de los potenciales suicidas siempre permanecen un poco en la retaguardia.

Entra en juego entonces esa bella palabra que han tratado de imponer sicólogos y trabajadores sociales, para justificar sus trabajos: resiliencia. Esta es como un rebote: caes abajo y vuelves a levantarte. Parece arte de magia, pero no lo es: simplemente, tus genes te están impulsando a sobrevivir, y ojalá, seguir reproduciéndote, que al final de eso se trata todo. La vas a pasar mal durante un tiempo, pero luego de que tu química cerebral se ajuste, las cosas van a andar como la seda otra vez. Si sólo ese día llegara mañana, u hoy mismo, y así consiguiera la...

5.- Aceptación.
  • "Bueno, cosas que pasan, siga participando, ya encontraré a otra persona que me haga feliz a mí en vez de ser un egoísta malnacido que...".
Finalmente, todo ha quedado atrás. Los días de rehabilitación han culminado, y tenemos un antiguo drogadicto que se ha recuperado por completo. Lo único que se necesita para que siga siendo feliz, es simplemente no volver a recaer en el vicio. O sea, no volver a enamorarse. Por eso, si has pasado por toda esa ordalía, tu vida otra vez está ordenada, eres feliz, incluso llegas a irradiarlo, por lo que otras personas te encuentran simpático y se te acercan y... eh... ¡oye! ¿Para dónde vas? ¡Ven acá! ¡Espera! ¡Pero es que...! Oh, maldición, ibas tan bien... En fin, vuelta a iniciar el ciclo de nuevo. Sí, eres un drogadicto sin remedio. ¿Lo niegas, acaso? Bien, estás en negación, qué más se puede esperar. No se puede luchar con impunidad contra miles de millones de años de evolución biológica, después de todo. O planteándolo en las palabras de la inmortal filósofa italiana: "Si te deja no lo pienses más... búscate otro más bueno y vuélvete a enamorar"...

domingo, 8 de febrero de 2015

Batman 75 años: Un índice completo.


El año pasado de 2.014, Batman cumplió 75 años, y en homenaje a tal aniversario, es que acá en la Guillermocracia publicamos una serie titulada precisamente Batman 75 años. Y consideramos que, tal y como en su minuto hicimos con la serie Superman 75 años, será una mayor comodidad para los lectores, el tener disponible un índice de la serie. Cada uno de los seis posteos constan de quince párrafos, y todos ellos fueron numerados; dicha numeración es correlativa, yendo así desde el párrafo 1 hasta el 90, facilitando así la cita del material, si es que resultare de utilidad para el lector.

1.- Sus raíces.

1. La dificultad de conceptualizar a Batman.
2. Batman como personaje envuelto en misterio.
3. Batman como deconstrucción del superhéroe clásico.
4. Inexistencia de un Batman canónico.
5. El Embaucador en la mitología clásica.
6. Paralelo entre Batman y el Embaucador.
7. El pícaro como anticipo de Batman.
8. Los tres pícaros heroicos antecesores de Batman.
9. Scaramouche.
10. Pimpinela Escarlata.
11. El Zorro.
12. The Shadow.
13. La mitología de The Shadow.
14. Batman frente a Superman.
15. Batman como codificador del héroe de la oscuridad.

2.- Su código.

16. Atractivo general de los superhéroes.
17. Fascinación por el héroe sin superpoderes.
18. Varias versiones de la ética de Batman.
19. Relación de Batman con la violencia.
20. La única regla de Batman.
21. Batman y la obediencia de la ley.
22. El vigilantismo de Batman.
23. La corrupción de Ciudad Gótica como posible justificación ética.
24. Batman como parábola fascista.
25. La ética del Batman de Frank Miller.
26. El Batman extremo del Frank Miller reciente.
27. Batman y la moral nietzscheana.
28. Batman y Azrael.
29. Batman y la compasión.
30. El problema ético de matar a un criminal para salvar a futuros inocentes.

3.- Su franquicia.

31. Importancia de Batman en Los Nuevos 52.
32. Importancia de Batman en el cine.
33. Inicio de la franquicia de Batman.
34. Batman y el origen de la franquicia del Universo DC.
35. La Batifamilia en los cómics.
36. Series dominicales de Batman.
37. La serie televisiva de 1.966.
38. Exito de la serie televisiva.
39. Impacto de la serie televisiva.
40. El Batman de Tim Burton.
41. El Batman de Joel Schumacher.
42. Batman: La serie animada.
43. Series animadas posteriores sobre Batman.
44. Trilogía del Caballero Oscuro.
45. Diversas imágenes de Batman en otros medios.

4.- Su familia.

46. La Batifamilia en la mitología de Batman.
47. Los varios Robin.
48. Origen de Robin.
49. Alfred.
50. Robin, Batman y Alfred como base de la Batifamilia.
51. Dinámica entre Robin, Batman y Alfred.
52. Relativa ausencia de Robin en el cine.
53. El Comisionado James Gordon.
54. Relativa ausencia de figuras femeninas prominentes en la Batifamilia.
55. Leslie Thompkins.
56. Batgirl.
57. Batwoman.
58. La posible homosexualidad de Batman.
59. La lectura gay.
60. Ambivalencia frente al discurso gay.

5.- Sus enemigos.

61. Carácter icónico de los villanos de Batman.
62. Supervivencia y desaparición de villanos.
63. Los villanos de Batman como reflejos oscuros de éste.
64. Joker.
65. Pingüino.
66. Catwoman.
67. Ras' Al Ghul.
68. Riddler.
69. Victor Freeze.
70. Two-Face.
71. Scarecrow.
72. Hugo Strange.
73. Poison Ivy.
74. Bane.
75. Ambigüedad de Batman frente a los villanos.

6.- Su legado.

76. Batman como personaje legado de Superman y su propio legado.
77. Batwoman y Batgirl como versiones de Batman.
78. Black Canary.
79. Black Canary y su relación con Green Arrow.
80. Green Arrow.
81. Black Widow.
82. Daredevil.
83. Influencia de Frank Miller sobre Daredevil.
84. The Spirit.
85. The Punisher.
86. The Spectre.
87. Spawn.
88. V de Vendetta.
89. Rorschach y Watchmen.
90. Batman como proyección del heroísmo ambiguo en el mundo moderno.

miércoles, 4 de febrero de 2015

Sexta temporada de "24": La hora del piloto automático.


Hace rato que quería hablar de 24, serie que para mi es el paradigma de lo que es el siglo XXI post 9-11, eso para bien o para mal. 24 ha tenido la enorme gracia de poner mantenerse no sólo durante seis temporadas, sino que además, lo ha hecho en plena forma. Ha pasado una década desde que a la agente Dana Scully le detectaron cáncer, en la tercera o cuarta temporada de Los Expedientes X, y aún se me revuelve el estómago de recordar el giro imbécilmente melodramático, a pesar de lo cual se permitieron el lujo de llegar a la novena, a la rastra, rengueando, y con mucha gente ya a esas alturas fuera del barco (me incluyo). Y eso por no hablar de Lost, que después del segundo o tercer episodio de la segunda temporada, es un muerto ambulante catódico. No puede decirse lo mismo de 24, que hasta la quinta temporada, por lo menos, se mantuvo con bastante adrenalina.

"Mantuvo", digo, porque a pocos capítulos de terminarse la sexta temporada, en la cadena FOX, la verdad es que la serie nunca hizo tanta agua por tantas partes, hasta el punto que si bien mantiene una buena base de fanáticos, mucha gente apuesta porque ya ha saltado el tiburón.

Repasemos. 24 debutó en el cable a comienzos del 2.002, con el tema de la guerra contra el terror por entonces fresco, y debutó con un formato adrenalínico (el clásico "una hora en tiempo real"), plagado de cliffhangers, y con la cualidad especial de que los chicos buenos caían como moscas, igual que los malos, y por lo tanto, si algún personaje se metía en un lío, no era tan cierto eso de que iba a salir caminando sobre sus pies, causa principal del relajo en otras series supuestamente dramáticas. Debido a eso, uno le perdonaba cosas tales como que durante tres o cuatro horas la esposa del protagonista Jack Bauer padeciera un ataque de amnesia, o las imbecilidades que perpetraba la no demasiado inteligente Kim Bauer (bueno, a ella también se le perdonaba, porque venía en el envoltorio de Elisha Cuthbert). Cuando uno escuchaba la introducción de Jack Bauer diciendo: "mi nombre es Jack Bauer, y hoy día será el día más largo de mi vida", uno podía preguntarse si el programa iba a aguantar una segunda temporada, porque es difícil que un agente contraterrorista, por muy Jack Bauer que sea, pueda tener dos "días más largos" en su vida. La primera temporada había partido de medianoche a la medianoche siguiente, pero para la segunda se permitieron un poco más de flexibilidad, ya que si bien partió a la medianoche, era medianoche en Corea, y después de una breve escena allá, saltó a Los Angeles, en donde eran las ocho de la mañana, simultáneamente. Ya en la tercera temporada, al partir a la una de la tarde, se sacaron el lastre de ir "de medianoche a medianoche". Además, aunque con un ritmo inferior a la primera, porque la amenaza principal de detonar una bomba nuclear en Los Angeles desaparecía a mitad de temporada, y el resto era pura intriga política, la segunda temporada consiguió mantener el estándar. En la tercera, la amenaza era un arma bacteriológica, y por lo tanto, se permitió mucho más juego, ya que a diferencia de la bomba nuclear, en este caso sí se permitieron liberar el agente patógeno dentro de un hotel, aportando mucho más suspenso. La cuarta temporada, estructurada como una seguidilla de ataques terroristas, era un tanto rocambolesca, porque si a Osama Bin Laden le tomó tantos años planear lo de los aviones contra las Torres Gemelas, entonces el villano tenía que ser un genio terrorista para planear todo lo que había planeado ahí. Y la quinta temporada llegó mucho más lejos que nunca, ya que ahora el propio Gobierno de los Estados Unidos era parte de la conspiración, algo que no es tan impensable si se considera cómo Richard Nixon intrigó de lo lindo desde la Casa Blanca, o cómo más recientemente George W. Bush sirvió de testaferro a las petroleras para apoderarse por la fuerza de Irak.

De esa manera llegamos a la sexta temporada. Y aquí es donde todo empieza a hundirse. Vale que no esperábamos que fuera a ser la mejor temporada de todas, en particular porque el suspenso de la quinta era duro, porque se habían cargado a casi todos los personajes principales, y porque el final en cliffhanger de la quinta (Jack Bauer siendo secuestrado por los chinos y llevado ilegalmente a China) dejaba muy difícil de preparar las cosas, además de que ha sido cábala que las temporadas buenas son las impares, y la que venía era una temporada par. Pero no esperábamos que fuera... Pues bien... Esto.

Todo parte cuando los chinos traen de vuelta a Jack Bauer, a través de negociaciones no especificadas, porque Jack debe prestar un último servicio a su patria: será entregado a un terrorista árabe a cambio de información para acabar con un líder terrorista que ha estado perpetrando varios atentados terroristas contra Estados Unidos en las últimas semanas. Era una partida poderosa, porque es la primera vez que vemos a Estados Unidos tan hundido en la serie: hay terror ciudadano, y los halcones de la Casa Blanca están montando campos de concentración para que todo árabe o sospechoso de serlo sea desactivado. También pedirle al protagonista el sacrificio supremo da mucho jugo de sí, y eso lo explotaron bien (Jack Bauer está más grande que nunca, cuando acepta ser sacrificado porque, según explica, conoce la diferencia entre morir por algo y morir por nada). El problema es que después de seis temporadas, sabemos que debía venir una vuelta de tuerca, y ésta fue predecible: el verdadero malo no es el tipo al que estaban tratando de cazar, sino el tipo al que entregaron Jack Bauer. Y Jack se entera de una manera caricaturesca, casi como Flash Gordon diciéndole a Ming el Despiadado: "pero antes de morir, quisiera saber...", y el villano en respuesta, en vez de matarlo pura y limpiamente, le cuenta todo su plan. Naturalmente que Jack se libera, en una de las escenas más sanguinarias de la serie, y parte a rescatar al otro árabe, el que todos creen es el malo y es realmente el bueno.

Hasta ahí, todo va aceptablemente, a pesar de algunas subtramas idiotas, como por ejemplo la familia americana acorralada por un chico terrorista al que creían un buen chico (nótese que la madre de familia venía interpretada por la gran Megan Gallagher, bien conocida por el fandom por haber sido la esposa de Frank Black en la mítica serie Millennium, y que aquí era desperdiciada en un rol de adorno casi sin diálogos). O la subtrama de la hermana del Presidente de Estados Unidos como una abogada activista pro-derechos civiles, cuyo novio es un árabe que va a dar, cómo no, a un campo de concentración. O las escenas con el Presidente Wayne Palmer, con un halcón y una paloma asesorándolos, secuencias que por momento parecían una parodia involuntaria de aquellos cortos de Tom y Jerry en los cuales un Tom bueno y un Tom malo se ponían cada uno en un hombro de Tom y le sugerían consejos benignos o malvados según correspondiera. Y a propósito, ¿cómo ese idiota llegó a ser Presidente? En la tercera temporada sus chulerías estuvieron cerca de costarle la presidencia a su hermano David Palmer, y en la quinta fue apenas una ayudita menor para Jack Bauer. Bien, por otra parte, es creíble que los estadounidenses hayan elegido al hermano tonto de un gran Presidente, si en 2.000 eligieron (y en 2.004 reeligieron) al hijo tonto de un Presidente mediocre. Todo eso se lo perdonamos, porque cuando Jack Bauer volvía a escena, todo estaba bien: había acción y disparos, y su cuota de tortura.

El problema vino después de la cuarta hora. La acción había ido creciendo poco a poco, hasta que los productores, presionados por un tema de "¿y ahora cómo lo hacemos más grande?", detonaron una bomba atómica y liquidaron de golpe y plumazo a 12.000 personas en el norte de Los Angeles (y supuestamente a varios miles más, a pesar de que dijeron que la nube radiactiva se fue en otra dirección por el viento). Lo que prueba que estos chicos no siempre aprenden: ¿no se acordaban que después de detonar una bomba nuclear en la segunda temporada, la temporada se fue en picado? Al menos, aquella vez fue a mitad de temporada, pero aquí lo hicieron rápido. ¿Cómo le podían meter más suspenso a la historia?

Buscaron la salida fácil. Tan fácil, que se dispararon en un pie con todo lo que duramente habían tratado de construir. El villano principal de la quinta temporada había quedado suelto, y tan suelto, que de él no se conocía ni siquiera el nombre. Además, tenía presencia: era un tipejo medio calvo, odioso sólo de presencia, que no hacía nada, sino que todo lo dirigía a través de su teléfono celular. Una bonita imagen para detestar, y un villano de altura. En la sexta temporada reaparece, pero en familia, y sólo para ser acorralado por su hermano Jack. Porque ésa era la gran revelación: el peor de los villanos que había visto la serie 24, era hermano de Jack. Además, no impone presencia ni nada. Dicho en sencillo: se cepillaron al mejor de sus villanos, de una manera estúpida, y lo que es peor, gratuita, porque nada se ganó con eso. Después, resultó que el villano trabajaba para su padre (o sea, para el padre de Jack). Para meterle un poco de drama, resulta que Jack no había visto a su padre desde el funeral de su esposa (la que, recordemos, falleció en la primera temporada, asesinada por una chica que a su vez fue asesinada por Jack en la tercera). O sea, la acción pura y dura quedó reemplazada, de un plumazo, por una soap opera cuyo nivel de truculencia e inverosimiltud haría enrojecer de vergüenza en su tumba a Aaron Spelling. Ya saben qué temporada de 24 van a adaptar en México, si es que deciden hacerlo (¿y por qué no? Después de todo, si hicieron la versión mexicanota de Los ángeles de Charlie)...

Las tramas paralelas, por su lado, no ganan nada. Los giros sorpresa de la trama, que eran una marca de fábrica de la serie, ya no existen, no porque no lo intenten, sino porque ya no son sorpresas. Por enésima vez, la CTU es infiltrada. Por enésima vez, altos funcionarios del Gobierno están involucrados en una conspiración para derrocar al Presidente de los Estados Unidos, culpable del crimen de gobernar como se corresponde y no como los conspiradores quieren. Por enésima vez, Chloe salva el día haciendo magia con la computadora y demostrando la ignorancia de los demás. Por enésima vez, para Jack Bauer es personal (antes fue su esposa, su hija, su amante, su novia, y ahora son su hermano y su padre). Por enésima vez Jack Bauer dice "¡negro!", sus jefes dicen "¡blanco!", meten la pata en grande, y después de meterla y darse cuenta de que es negro, hacen lo que Jack les dice que hagan. Como alguien observó en un foro, la serie se llama 24, y no "Jack Bauer", "CTU" o "Presidente Palmer", así es que podrían sobradamente prescindir de esos elementos, aunque fuera por unos pocos capítulos, para inyectarle aire fresco a la saga.

No quiero que se piense de estas críticas, que la serie está acabada. Se diga lo que se diga, la sexta temporada de 24 sigue manteniendo un buen ritmo, y la trama principal de la conspiración tiene interés. Con eso, está a años luz de productos hiperinflados como Lost, o de tanques que devinieron en autitos de juguete como Prison Break. Además, los productores tuvieron las agallas de reconocer públicamente que la sexta temporada fue débil, y no se escudaron detrás de excusas como el día de la semana, la publicidad o la carta astral para justificar lo injustificable, y por ende, bien podrían para la séptima temporada levantar de nuevo el programa. Pueden hacerlo, y lo han hecho antes. Después de terminada la segunda temporada, uno esperaba la tercera con el miedo a lo que podría venir, y les quedó estupenda. La cuarta temporada flaqueó visiblemente en varios puntos (con el dispositivo terrorista para fundir simultáneamente un centenar de reactores nucleares en todos los Estados Unidos, los malos podían irse de parranda con el Doctor Doom y apostar quién pagaba los tragos), pero después entregaron una soberbia quinta temporada. Aunque claro, puede que ahora hayan ido demasiado lejos, y la serie definitivamente se hunda. Aún así, dejaría como legado cinco sólidas temporadas, de lejos lo mejor que ha producido la televisión desde Buffy la Cazavampiros (hubiera contado Millennium, pero la cancelaron en la tercera temporada).

La buena noticia es que tengo todo el tiempo del mundo para mirar cómo termina la sexta temporada de 24. Después de todo, lo obtuve renunciando a seguir con Lost, después del episodio en el cual papá corazón arroja a Locke ventana abajo (hablando de soap opera)...


ALGUNAS NOTAS ADICIONALES [ENERO DE 2.015]: Este posteo fue publicado como comentario después de haber terminado la sexta temporada de 24, y antes de la película 24: Redención, las temporadas 7 y 8, y la miniserie 24: Vive un nuevo día. De hecho, dudé en republicarlo porque ya le habíamos dedicado en la Guillermocracia una serie de posteos a 24, y me parecía redundante. Pero sirve de maravillas para rellenar espacio, y además el material quizás sea de interés para los fanáticos completistas de 24, que siempre los hay, o incluso de la Guillermocracia, que también es posible que los haya. Por cierto, dicho sea de paso, con el paso del tiempo la sexta temporada quedó como el gran marrón de la serie, mientras que lo que vino después, aunque irregular y no al nivel de las primeras temporadas, mejoró mucho lo presente.

Este posteo fue publicado por primera vez en el blog Tribu de Plutón, el Lunes 20 de Agosto de 2.007.

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