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domingo, 13 de abril de 2014

Synth80s - 1982.


Si 1.981 fue el año del estallido del Synth-Pop a escala masiva, puede verse a 1.982 como un año de consolidación. El sonido Synth-Pop ya estaba allá afuera, en el ambiente, y ahora un montón de bandas iban a subirse al carro inaugurado oficialmente para el mainstream durante el año pasado. O si eran bandas y cantantes que ya estaban dando vueltas allá afuera, iban ahora a tener su gran oportunidad. Representó también el año de nacimiento para dos superestrellas que después tuvieron tanto éxito, que nadie las asocia hoy en día con sintetizadores, a pesar de que los usaron con cierta prominencia a lo largo de la década. En algún caso, hubo bandas antiguas que intentaron coquetear con los sintetizadores, con resultados... discutidos, es mejor dejarlo así. Como por motivos de espacio no los incluiremos aquí, adelantemos, vale la pena mencionar a Queen y su disco Hot Space en este rubro. Fue también el año de dos bandas sonoras seminales en el área del soundtrack electrónico. En definitiva, fueron 365 días movidos para la música de sintetizadores. De manera que ahora vamos con la cuarta parte de Synth80s, la que corresponde a 1.982.

De esta manera le damos inicio a la cuarta parte de esta épica jornada a través de la década de los teclados y sintetizadores.

37.- Tangerine Dream - White Eagle.



Dentro de lo apretado de la agenda de Synth80s, Tangerine Dream era una de las bandas con las que estábamos en deuda. No en balde son tan fundacionales dentro de la música electrónica como Kraftwerk o Yellow Magic Orchestra; aunque no nos preocupamos tanto de ellos porque podíamos incluirlos en cualquier año, prolíficos como son. Para estos decanos de la electrónica, que partieron en ¡1.967!, White Eagle de 1.982 fue su disco de estudio número doce; es decir, prácticamente uno por año, sin contar material en vivo, EPs, singles, etcétera. En sus primeros años, de manera nada sorpresiva para quien haya seguido hasta acá la serie Synth80s en la Guillermocracia, Tangerine Dream fue una banda de Psicodelia y Krautrock, antes de comenzar a experimentar con la electrónica. Siempre privilegiando la música instrumental, lo que los situó como precursores de la música New Age... para disgusto de la banda. Su carácter de banda preferentemente instrumental, al igual que a Vangelis, los hizo carne de soundtrack, con apariciones en Negocios riesgosos, Ojos de fuego, Leyenda, y cerca de una sesentena de otras películas en total. El tema White Eagle, de hecho, que cierra el disco del mismo nombre, acabó siendo remezclado para los créditos de Tatort, una serie televisiva policíaca alemana que es casi un emblema patrio, considerando que su primer capítulo fue emitido en 1.970... y todavía no es cancelada, 44 años después.

38.- Vangelis - Blade Runner (End Titles).



Y hablando de Vangelis y bandas sonoras. Tercera incursión del susodicho aquí en Synth80s (ya habíamos incluido Alpha y Titles de Chariots of Fire). Pero es que Blade Runner (End Titles) es demasiado emblemático para dejarlo pasar. En realidad, la publicación de este soundtrack fue una pesadilla. Sólo un tema estaba disponible al público, Memories of Green, debido a haber aparecido en el muy poco conocido álbum experimental See You Later de 1.980. Hubo una versión parcial en 1.982, y un par de temas salieron en el compilado Themes de Vangelis, de 1.989. Hubo un soundtrack oficial en 1.992... después de lo cual salió una versión todavía más completista. En cualquier caso, la mezcla de electrónica entonces futurista con instrumentación más tradicional, algunos coros gregorianos en una escena, y un uso pesado de música étnica asiática, creó un ambiente único para la película. Blade Runner de hecho puede considerarse Cyberpunk dos años antes de que el Cyberpunk como tal llegara a ser codificado por la novela Neuromante de William Gibson. Y la música de la película tiene mucho que ver con el estatus de Blade Runner como clásico del cine.

39.- Wendy Carlos - Ending Titles.



Partamos por la bomba. Wendy Carlos nació Carlos Walter, y se operó en la década de 1.970. En materia musical, ella siguió la carrera de tantos otros precursores de la música electrónica, interesándose primero por la Música Selecta, y de ahí derivando hacia esa particular rama de Música Selecta que eran los instrumentos electrónicos. Porque no es que Wendy Carlos estuviera entre los pioneros del sintetizador Moog: es que ella misma le dio una mano al doctor Robert Moog a crearlo. Iniciando de paso la moda de aplicar instrumentos electrónicos a hacer covers de Música Selecta, lo que lo pondría en la mira de Stanley Kubrick para musicalizar dos de sus películas: La naranja mecánica y El resplandor. Pero quizás su banda sonora más reconocida y celebrada sea la que Wendy Carlos compuso para TRON, la fantasía cibernética que avanzó en el cine por primera vez el concepto de realidad virtual y ciberespacio, y sobre la que hablamos tangencialmente en el capítulo Imágenes del Cyberpunk de las Crónicas CienciaFiccionísticas, aquí en la Guillermocracia. Porque un compositor como Wendy Carlos, interesado en sonalidades y escalas cromáticas no occidentales de más de siete notas, era justo lo que necesitaba una película acerca de un entorno entonces tan alienígena como lo era la vida sintética de los programas de computación en su entorno virtual. La película desarrolló la condición de clásico de culto, e incluso experimentó un pequeño revival gracias a su secuela TRON: El legado, y eso ha ayudado a mantener vivo el excelente trabajo de Wendy Carlos para TRON, que no lo lastra ni siquiera la decisión de los estudios Disney de meter orquesta a lo que inicialmente iba a ser música puramente electrónica, decisión contra la que Wendy Carlos combatió sin éxito en la creencia, bastante fundada, de que su trabajo con sones polirrítmicos se iba a ver afectado porque los seres humanos intérpretes nunca iban a tener la precisión de una máquina frente a patrones rítmicos inusuales. El único lastre de esta banda sonora, es la necesidad de meter algún que otro tema de rock comercial para vender el disco; no es que Journey sea una mala banda, que no lo es en absoluto, pero resulta claro que el estilo de rock más amistoso y de arena propio de Journey choca de frente contra el elegante trabajo electrónico de Wendy Carlos.

40.- Yazoo - Don't Go.



Mientras Vangelis, Tangerine Dream y Wendy Carlos seguían trabajando en una electrónica erudita y elegante, reminiscente de la experimentalidad de la década anterior, el Synth-Pop seguía corriendo desbocado por su cuenta. Poco después de que Depeche Mode lanzara su disco debut Speak & Spell, Vince Clarke decidió que sus compañeros de banda se estaban poniendo demasiado oscuros, y se salió, lo que resulta humorístico si se piensa la prominencia que tuvo Clarke en la composición de Speak & Spell, hasta el punto que se siente más como el primer disco de Clarke que como el primer disco de Depeche Mode, y por lo tanto deberían haber sido los compañeros de banda quienes deberían haberse salido para ir a montar otro grupo, no el compositor principal de la banda... El caso es que Vince Clarke unió fuerzas con la cantante Alison Moyet. El resultado fue Yazoo, una banda de vida tan corta que alcanzó a sacar sólo dos álbumes, Upstairs at Eric's en 1.982, y You and Me Both en 1.983, antes de disolverse; tanta cortedad de material no impidió, eso sí, que años después sacaran un grandes éxitos. El fin de Yazoo fue otro proyecto que se le cayó a Clarke de las manos. Incluso, por razones legales, esta banda terminó llamándose Yaz en Estados Unidos, para más humillación. Como sea, Don't Go se transformó en un clásico de las pistas de baile ochenteras. Incluso el tema fue incluido de manera prominente en la película Tango & Cash de 1.989, ya terminando la década, en otra muestra de cómo Hollywood se sube a los carros de la moda cuando la moda está a punto de acabarse.

41.- Berlin - Sex (I'm A...).



Berlin es una de las primeras bandas netamente New Wave que surgieron en Estados Unidos. Activos desde 1.978, partieron con un disco debut, Information en 1.980, que se balanceaba de manera algo indecisa entre el rock y los sintetizadores, rubros que en la época todavía se suponía que iban apartados. Ya para Pleasure Victim, su segundo disco de 1.982, se habían afirmado con un sonido New Wave con sintetizadores, bien armadito. Desafortunadamente, su carrera se extendió sólo por un tercer y cuarto álbumes más (Love Life de 1.984, y Count Three & Play de 1.986). La canción Sex (I'm A...) causó un pequeño escándalo en su minuto, por letras que ya no eran insinuantes, es que eran descaradas para la época. El estribillo es el macho cantando I'm a Man, alternado con la hembra cantando que es una diosa, una virgen, una película depresiva, una perra, una geisha, una chica pequeña, un chico, tu madre, tu revolcón de una noche, una bi, una esclava... y haremos el amor por siempre. Ya saben, chicos: si consiguen que su chica cante esta canción a dúo con ustedes, tienen el resto de su vida asegurado. Volveremos a saber de Berlin dentro de algunos años, acá en Synth80s.

42.- A Flock of Seagulls - I Ran (So Far Away).



Llamar a tu banda con el nombre Una Bandada De Gaviotas en tu idioma nativo es casi sacar certificado de no hit wonder. Pero A Flock Of Seagulls consiguieron alcanzar la barrera del one hit wonder, con I Ran (So Far Away), otro tema ochentero que la gente conoce más de oreja que por el título de la canción o el nombre de la banda. O incluso cruzarla, si incluimos el tema Space Age Love Song, del mismo disco (de hecho, son los tracks números 1 y 2). Hay algo de triste que el legado más icónico e influyente de la banda terminara siendo... su peinado. No por nada, dos de sus miembros eran estilistas de cabello. Como sea, la banda estuvo bastante en activo la primera mitad de la década de 1.980. La canción en sí tiene una letra algo confusa. Pareciera aludir a una chica tan guapa, que el cantante no encuentra nada mejor que hacer, que salir arrancando de ahí. Es probable que todos hayamos reaccionado así alguna vez. Otra posible interpretación es que la chica, o el mismo cantante, están siendo abducidos por un extraterrestre, lo que hace sentido si se le echa un vistazo al resto del álbum, su disco debut también llamado A Flock Of Seagulls. Porque el disco debut de una banda que gira en torno al asunto de los secuestros por OVNIS, debe llamarse forzosamente Una bandada de gaviotas, o por el contrario, si tuviera un título más ajustado, correría el peligroso riesgo de llegar a tener sentido.

43.- Peter Schilling - Major Tom (Völlig losgelöst).



En 1.969, David Bowie logró su primer gran hit: Space Oddity. La canción, muy en la vena de 2001: Odisea del espacio, describe cómo el Mayor Tom, un astronauta, sufre de una especie de vértigo cósmico y, preso de un arrebato místico, se pierde en el espacio para siempre. Peter Schilling debe haber pensado que la canción era demasiado depresiva, así es que hizo lo que es una rareza en el mundo musical: escribió una secuela no oficial. O mejor dicho, Major Tom (Völlig losgelöst) y su versión en inglés Major Tom (Coming Home) son una especie de remake que cuentan la misma historia, pero con un final diferente: está implícito dentro de la letra que el Mayor Tom ha terminado evolucionando en una clase de ser diferente, quizás incapaz de ser percibido por los seres humanos. El tema está incluido en su disco debut (Fehler im system en alemán, Error in the System en inglés), y marcó la tónica de lo que será el resto de sus preocupaciones: un montón de letras sobre Ciencia Ficción. Con la dedicación que sólo un alemán podía dedicarle a la Ciencia Ficción con sintetizadores. Y tuvo el destino propio de alguien dedicado a esta vía de la cultura humana: acabó siendo otro one hit wonder de la década de los sintetizadores.

44.- Thomas Dolby - She Blinded Me With Science.



Ser músico de sintetizadores implica algo de frikismo. Hacerlo con letras de Ciencia Ficción, otro poco más. Tener este background y conseguir casarse con una actriz de Dinastía (Kathleen Beller), ya es girar un tanto el dial. Sumarle a todo esto una discografía en donde uno de sus discos magnos se llama Aliens Ate My Buick, ya es de psiquiátrico. Y si además de eso consideramos que es el socio número 00001 de la Flat Earth Society, organización que ha surgido y se ha hundido a intervalos como la Atlántida y se dedica con pasión a probar que la Tierra es plana, ya tenemos al músico más friki de la galería. Damas y caballeros, con ustedes Thomas Dolby, nombre artístico de Thomas Morgan Robertson, adoptado a partir del sobrenombre que le pusieron sus colegas por estar siempre cerca de los estudios de grabación cargado de cintas de cassette. She Blinded Me With Science, canción del EP del mismo nombre e incluida un año después en el relanzamiento de The Golden Age of Wireless, juega con el sentido de la expresión inglesa en cuestión: cegar a alguien con ciencia es deslumbrar con conocimiento complejo, o con la apariencia de conocimiento complejo a lo menos. La canción se lo toma algo más literalmente: la chica es poesía en movimiento, los elementos en armonía, puedo oler los químicos, puedo escuchar maquinaria... Todo eso acompañado con los gritos de Magnus Pyke, un científico y presentador de televisión inglés, impersonando a un científico loco. Sin lugar a dudas, uno de los temas más bizarros de la era clásica de los sintetizadores.

45.- Madonna - Everybody.



¿Qué hubiera pasado si Blondie hubiera seguido adelante, con letras algo más simplificadas, una infusión mayor de sintetizadores, y un estilo de canto más cercano a lo que consideraríamos como gatita sexy en celo? Quizás, algo similar a lo que Madonna nos regaló con Everybody, su primerísimo single, y tributo a la era de los sintetizadores. A la larga, Madonna se transformó en una superestrella, cosechando reconocimiento en parte por haberse distanciado de los sintetizadores y haber adoptado influencias del Rhythm & Blues primero, y haber metamorfoseado su sonido una y otra vez después. Pero no debemos dejarnos engañar. Madonna en sus inicios, y durante buena parte de la década, en el fondo fue una vocalista de Blues haciendo música con predominio de sintetizadores. Everybody mismo no tiene mayor mérito que ser el primer single de la cantante más famosa del planeta, y de hecho vendría música mucho mejor en el futuro; en realidad, si Madonna no hubiera sacado más material y Everybody es todo lo que se supiera de ella, habría pasado a la historia apenas como una nota a pie de página en la historia de los sintetizadores, con un Synth-Pop básico, repetitivo y simplón. Pero ya sabemos cómo se dieron las cosas después.

46.- Michael Jackson - Thriller.



¿Hace falta decir algo sobre este tema? Michael Jackson grabó su primer disco en ¡1.969! junto a sus hermanos, la banda de los Jackson 5; huelga decir que a la larga, Michael fue el más famoso y reconocido de todos. A comienzos de la década de 1.980, ya corriendo su carrera solista, faltaba el gran éxito que lo pusiera en la primera línea del pop. Y entonces llegó el disco Thriller, que resultó el exitazo que todos conocemos. Con Vincent Price poniendo su ominosa voz al servicio de la canción y videoclip que electrizaron a una generación. Irónicamente, aunque con arreglos de sintetizadores, y considerada uno de los momentos icónicos de la década de 1.980, en realidad la base de la canción es... Funk y Disco, los dos géneros musicales que ya criaban malvas para esos años. Porque al igual que los zombis del videoclip, la música Disco se negaba a morir. Y hablando de negarse a morir...

47.- Klein + M.B.O. con Rossana Casale - Dirty Talk.



Mientras estas cosas ocurrían en Inglaterra y Estados Unidos, ya hemos dicho que en Europa la onda Disco se negaba a morir. Quizás por no verse tan sobreexpuestos al fenómeno, la música Disco no desapareció de las pistas europeas de manera abrupta, sino que empezó a transformarse en otra cosa, rebajando por una parte los elementos más funkies y soul, e incrementando al máximo la prominencia de los sintetizadores. El resultado fue un género musical completamente nuevo: el Italo Disco. Que es como el Synth-Pop, pero campy. Si el Synth-Pop fuera Batman, el Italo Disco sería Batman, pero el de Adam West, para que nos entendamos. Dirty Talk, el tema que nos ocupa, fue uno de los primeros éxitos ya firmemente enclavados dentro de lo que será después el Italo Disco. Las canciones tienen un cierto punto de ridiculez, cierto, pero no es menos cierto que muchos músicos se volvieron hacia Italia, y en menor medida hacia Alemania y España, para inspirarse. Dirty Talk misma sembró las semillas de lo que después será Blue Monday, de New Order; Laura Branigan por su parte, aparte de grabar un cover Italo Disco de Gloria, regalará uno de los más importantes temas Italo Disco disfrazados de Synth-Pop: Self Control. Y ya unos añitos después, las audiencias masculinas de todo el planeta conocerían a las ídolas máximas del género: las prominentes delanteras de Sabrina Salerno embutidas en un bikini blanco. Como el Synth-Pop, el Italo Disco tiene también su punto de música que entra por la mirada.

48.- Front 242 - Body to Body.



Michael Jackson y Madonna iniciaban sus carreras musicales hacia el superestrellato, el Italo Disco recibía partida de nacimiento, el Synth-Pop se desmelenaba cada vez más... y en el underground, la música EBM seguía desarrollándose. El concepto de Electro Body Music (no el género sino la palabreja) fue inventada, o al menos popularizada, por la banda belga Front 242, que no inventó el género propiamente tal, ya que al menos D.A.F. y otras bandas eran antecedentes del sonido, pero sí que le dieron una forma más o menos definida y acabada. Si una banda electrónica quería hacer EBM, Front 242 era la banda a inspirarse e imitar. Su primer disco fue Geography, de 1.982, y con él ya puede considerarse como nacido al antes todavía medio embrionario género. El tema Body to Body ha tenido su historia. La versión original aparece en Geography, pero una versión más conocida en el underground, y remezclada hasta lo irreconocible, apareció en el siguiente disco, No Comment de 1.984. El EBM estaba lanzado, y ya nada lo iba a detener. Salvo el mainstream, por supuesto; en más de treinta años de historia, y a pesar de las extensas ramificaciones que ha alcanzado su influencia, el EBM nunca ha llegado a ser una música realmente popular.

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