domingo, 18 de febrero de 2018

Nueva etiqueta: El Día del Desamor.

(Fuente).
Toda nación se construye sobre tradiciones, y la Guillermocracia no es una excepción. Desde 2.013, una de éstas ha venido siendo la traca de posteos antirrománticos por el Día de los Enamorados. Todo ha ido más o menos así: cada 14 de Febrero se proclama el Día de los Enamorados, la publicidad te bombardea, todos tienen que estar con alguien, y además ser felices con ese alguien, etcétera. Y ahora se ha puesto peor, porque los grandes conglomerados económicos se han dado cuenta de que muchos no están enamorados, y por tanto no son clientes, así es que ahora viene a ser el Día del Amor, así en general. Porque los otros 364 días serán, no sé, el Día del Odio, el Día de la Indiferencia, el Día de Fingir Preocupación Para Manipular Psicopáticamente A Los Demás, o qué se yo.

Como sea, acá en la Guillermocracia somos una nación fuerte y orgullosa, que no nos dignamos en pasar por el aro del diktat procedente de las grandes empresas siempre ávidas de escarbar en tus bolsillos inventándose o explotando fiestas para que compres regalos. Por eso es que, rondando siempre el 14 de Febrero, nos hemos dado maña para publicar algún posteo antirromántico.

Y ahora lo hacemos oficial. Hemos añadido una etiqueta a los posteos antirrománticos, por lo que ahora son una sección: DÍA DEL DESAMOR. De manera que si quieren ir hacia atrás en estos posteos incendiarios respecto del romance, los buenos sentimientos, los arrullos de paloma, etcétera, ya saben: Día del Desamor es la etiqueta.

Menos el desamor por la Guillermocracia, claro. Que hay cosas que se llevan grabadas en el corazón, vamos. No será hoy ni mañana, pero algún día, conseguimos que #yoamolaguillermocracia sea trending topic en las redes sociales...

miércoles, 14 de febrero de 2018

Otras 12 canciones románticas para agarrar a patadas al amor.


Es ya una venerable tradición acá en la Guillermocracia, que en las cercanías del Día de los Enamorados le dedicamos algún posteo a... la falta general de amor en el mundo. De cómo el amor apesta. El año pasado, repasamos doce canciones románticas que están ahí para agarrar a patadas al amor, y con ellas, dejábamos caer lo que cualquiera sabe: que las canciones románticas que en realidad son canciones antirrománticas, llamémoslas así, están a llevárselas de a pocos centavos la docena. Así de tanto abundan. Por supuesto, quedaron muchas en el camino, y como tener y mantener un blog es como faenar un cerdo, hay que aprovecharlo todo... pues ahora vamos con una segunda versión de este ahora casi mítico posteo de la Guillermocracia, construido casi en su totalidad a partir de descartes de la entrega anterior, y aún así, puñetazo en la barriga por todo lo alto, para que vean la fértil e inagotable mina de dolor y sufrimiento que es ponerse a compendiar canciones de éstas.

Así es que a continuación repasaremos doce canciones románticas que en realidad son acerca de lo mucho que apesta el amor. Con especial cariño para los sospechosos de siempre, o sea, los que no tienen pareja para este Día de los Enamorados, o que la tienen pero dadas las circunstancias casi sería preferible no tenerla, o que casi la tienen pero por alguna razón, ese casi se niega porfiadamente a concretarse. Porque todas esas penitas pasan mejor cuando hay alguien allá afuera sufriendo más que uno, y estas canciones siempre generan esa ilusión. Por la evidente y depresiva verdad de que estas canciones se componen porque, en efecto, son cosas que le pasan a la gente. Dicho lo cual, vamos con esta nueva docena que, lo ya dicho, está a pocos centavos.

1.- Enrique Santos Discépolo y Mariano Mores - Uno (1.943).



¿Cómo es posible que en el otro posteo sobre doce canciones románticas para agarrar a patadas al amor, se me pasara incluir algún ejemplo de ese incontenible manantial de canciones antirrománticas que es el tango? Este en concreto, la música es de Mariano Mores y la letra del inevitable Enrique Santos Discépolo. Inicialmente se llamaba Si yo tuviera un corazón, que es de hecho un verso de la canción, pero luego toda la gente pedía, en las presentaciones en vivo, que tocaran "el Uno", que aparece dicho por aquí y por allá ("Uno busca lleno de esperanzas"... "Uno va arrastrándose entre espinas"... "Uno está tan solo en su dolor"... pobre Uno, todo le pasa a él), y quedó con su nombre actual. En cuanto a lo que va el asunto... el tango trata acerca de cómo la vida te golpea, te hace sufrir, te doblega, y al final se te apaga el corazón, tanto que cuando por fin llega el verdadero amor... "Si yo tuviera el corazón / el mismo que perdí; / si olvidara a la que ayer / lo destrozó y pudiera amarte...". Esencialmente, quien canta se encuentra tan destrozado, que ya es incapaz de responder al amor puro y bueno que le den. Dejen que se asiente un poco en ustedes, y sientan ese escalofrío en el corazón. Los que tengan un corazón, claro. En cuanto a los cantantes de tango... ellos sí que sabían.

2.- Los Prisioneros - Paramar (1.984).



No cabe duda de que Los Prisioneros es la más importante banda chilena de la década de 1.980. Con una actitud muy desenfadada, usaron una mezcla de Rock Latino, Punk, Post Punk, New Wave, Rockabilly y Reggae, lo que se les antojara tocar en el minuto, para servir letras contestatarias en donde no dejaban chincol con cabeza. Son famosos por sus letras contra la sociedad chilena bajo la dictadura, pero lo suyo no se agotaba ahí: la discografía de Los Prisioneros es una completísima radiografía de todo lo que anda mal en nuestra sociedad moderna, capitalista, consumista e industrial. Incluyendo el amor, por supuesto. El estribillo de Paramar, contracción de "para amar", por supuesto, lo dice todo y no necesita más comentarios: "Paramar, Paramar, debes tratar de poco entregar / Paramar, Paramar, tu identidad debes falsear / Paramar, Paramar, siendo estúpido serás feliz / Paramar, Paramar, debes evitar soñar, debes olvidar soñar". Canción que en lo personal siempre recuerdo cuando veo allá afuera una de esas parejas fotogénicas de Facebook de las cuales vemos esa bonita carcasa exterior, pero el interior, el corazón, vaya uno a saber, supuesto de que haya un corazón ahí en primer lugar. Y se me ocurren pocos finales de canción más amargos que éste: "Nunca pensé que justo este invierno / sería el más frío que he visto pasar / Yo no sirvo para amar". Simple, claro, directo y a la vena: amor en la era del consumismo. Tres décadas después, y con vigencia plena y total.

3.- Falco - Jeanny (1.985).



Usualmente Falco es considerado un one hit wonder por su tema Rock me Amadeus, o a lo sumo un two hit wonder si sumamos Der Komissar. Lo que probablemente sea cierto, a nivel de masas por lo menos, injusto como es porque Falco es uno de los grandes representantes de la escuadra germánica de la música pop en la década de 1.980... aunque Falco no era alemán sino austríaco. Bueno, ya le dedicamos el posteo Falco: Desde Austria con amor, acá en la Guillermocracia, así es que no insistiremos. Jeanny es una sentida balada incluida en el disco Falco 3 de 1.985, el mismo de Rock me Amadeus, y en la superficie parece una melosa canción romántica: el cantante le canta, o rapea mejor dicho porque es Falco, a una chica que se siente sola, triste y abandonada en este mundo, diciéndole que "Jeanny, deja de vivir en los sueños / Jeanny, la vida no es lo que parece / Estás perdida en la noche, no quieres pelear y luchar / ¡Hay alguien que te necesita!". Bonito, ¿no? ¿A quién no le gustaría que le cantaran algo así, cuando se siente solitario en este mundo miserable? Eso, hasta que viene la parte hablada: "En los últimos meses, el número de personas desaparecidas se ha incrementado dramáticamente / La reciente publicación del departamento local de policía informó de otro caso trágico / Se trata de una chica de diecinueve años, vista por última vez hace quince días / La policía no descarta la posibilidad de que se trate de un delito". Y entonces descubrimos que este romántico tema en donde él asegura amarla y cuidarla, en realidad es la narración en primera persona de la obsesión de un asesino serial por sus víctimas. ¿O por qué razón ustedes creen que Falco aparece con camisa de fuerza en una habitación de paredes acolchadas, en el videoclip? O de cómo una vez más, como Padmé y Anakin, vemos que la línea entre el amor y la obsesión es muy fina, y muy pronto ese amor que da vida puede acabar transformándose en amor que mata. Felices sueños, la próxima vez que oigan esta canción...

4.- Kylie Minogue - Better the Devil You Know (1.990).



No cabe duda de que Kylie Minogue es una de las pocas artistas que consiguió capitalizar su éxito temprano con los SAW, los productores Stock Aitken Waterman, la gente tras Rick Astley, Bananarama, Samantha Fox, etcétera, y siguió después una carrera más sólida de lo que cabría esperar para otra chica bubblegum puesta en la cadena de montaje musical. Pero entre cancioncillas livianas como un paquete de papas fritas, a veces aparecen gemas como ésta. Una canción cuya melodía pegadiza y bailable esconde algunas concomitancias bastante tétricas. La canción se refiere en general a un clásico del género: la chica que ha reñido con su enamorado y le pide que vuelvan a lo suyo otra vez, porque "nuestro amor no fue perfecto", pero "cuando dices que me amas, chico, no puedo pedir más" ("Our love wasn't perfect I know, / (...) / When you say you love me, oh boy, / I can't ask for more"). El estribillo es el verdadero puñetazo en la barriga: "Perdonaré y olvidaré si dices que nunca te irás, porque es verdad lo que dicen, que es mejor diablo conocido que diablo por conocer" ("I'll forgive / And forget / If you say you'll never go, / 'Cause it's true / What they say / It's better the devil you know"). Resulta depresivo pensar en que una chica como Kylie Minogue en sus años de florecimiento juvenil, acabe quedándose con un bastardo miserable sólo porque es mejor un bastardo miserable al que conoces, que uno al que podrías eventualmente conocer, y resulta más depresivo todavía pensar en toda la gente allá afuera, enclaustradas en relaciones asfixiantes y abusivas porque le hacen más caso al dicho ése de "peor es nada", que al más sabio y sensato "mejor solo que mal acompañado"...

5.- Shirley Bassey - Goldfinger (1.964).



Vale, éste es un ejemplo un tanto limítrofe, que lo mismo podría estar o no en el presente listado, ya que en estricto rigor, hablamos de lo que podemos llamar canción del villano aquí. Pero es una canción Bond, y eso le da puntos de viajero en cualquier parte, claro. El tema se refiere a Auric Goldfinger, el villano de la película Goldfinger, y uno de los más memorables contra los cuales se ha enfrentado James Bond. El que tiene fetiche por matar chicas pintándolas de oro para que fallezcan por... asfixia cutánea, o algo así. Bueno, ese personaje. La canción parte describiendo que Goldfinger "es el hombre con el toque de Midas / Un toque de araña" ("the man with the Midas touch / A spider's touch"). Lo que viene después, es una deconstrucción brutal de la clásica fantasía de la Cenicienta estilo teleserie de Thalía, o de los riesgos de dejarse llevar por lo afrodisíaco del poder: "Palabras doradas vertirá en tu oído, pero sus mentiras no pueden disfrazar lo que temes, una chica dorada sabe que cuando él la ha besado, es el beso de la muerte..." ("Golden words he will pour in your ear / But his lies can't disguise what you fear / For a golden girl knows when he's kissed her / It's the kiss of death..."). El estribillo insiste en lo mismo, en que el famoso príncipe azul que va a rescatar a la pobrecita doncella, muy en el fondo las tiene para usar y tirar: "Chica linda, cúidate de este corazón de oro / Este corazón es frío" ("Pretty girl beware of this heart of gold / This heart is cold"). Me pregunto por qué nadie ha creado un video de esta canción, usando imágenes de Christian Grey y Anastasia Steele; somos varios los que nos partiríamos de risa viendo eso.

6.- ABBA - Mamma Mia (1.975).



Es un hecho de la vida tan inevitable como la muerte, los impuestos o los "piense positivo", que los escandinavos hacen música depresiva hasta cuando están alegres. Cosas de vivir en territorios tan al norte que se la pasan a la sombra un tercio del año, o más. Aunque tienen fama de banda pop livianita, ABBA a veces pueden hacerle bastante miserable la existencia al personal. Con canciones como Mamma Mia, por ejemplo. El estribillo tan feliz parece casi de sainete: "Madre mía, aquí voy de nuevo / ¡Caramba! ¿Cómo puedo resistirme a ti? / Madre mía, ¿aparece otra vez? / ¡Caramba! Cuánto te he extrañado". Podría ser la escena cómico romántica de los clásicos secundarios graciosos de teleserie brasileña. Pero si le añadimos el cuerpo mismo de la canción, la cosa pinta más oscuro. Porque ella le canta la canción de marras a una pareja que la tiene con una cornamenta que ni Bambi adulto. Y que además, cuando estallan las peleas, en vez de buscársela a lo suave, pues el lindo además arma una escena y se manda a cambiar. Hasta que regresa, y ella canta lo del estribillo, o sea, que ahí va la tonta de nuevo, y lo perdona, y "mírame ahora, ¿acaso alguna vez aprenderé?" ("Look at me now, will I ever learn?"). Lo que decía más arriba. ¿Canciones románticas depresivas incluso aunque suenen felices? Escandinavos al rescate.

7.- Dolly Parton - Jolene (1.974).



Cuando Miley Cyrus hizo un cover de esta canción, lo encontré creíble, pero en su versión original de Dolly Parton, pues ya no tanto, si es de Dolly Parton y su bastante bien armada anatomía de quien hablamos. Porque la canción se la canta la chica fea, o al menos corrientita, a la chica bonita, que es la famosa Jolene de marras. Dicho muy en breve: la canción nos refiere cómo Jolene es la clásica chica guapa que usa sus encantos para levantarse el ego columpiándose hombres a diestra y siniestra, únicamente porque puede. Y la cantante no considera demasiado humillante ir hasta la famosa Jolene y rogarle por favor que no le quite a su hombre, o al menos, que no lo haga sólo por un capricho, por pasar un ratito: "Puedes elegir al hombre que quieras / Pero yo no podría amar de nuevo / El es el único para mí, Jolene / Tenía que conversar esto contigo / Mi felicidad depende de ti / Y de lo que sea que decidas hacer, Jolene" ("You could have your choice of men / But I could never love again / He's the only one for me, Jolene / I had to have this talk with you / My happiness depends on you / And whatever you decide to do, Jolene"). La canción ha sido objeto de varios covers, pero resalta en particular el cantado por The White Stripes por una razón: no se tomaron la molestia de cambiar la letra ni el género. De manera que, cantada por un hombre, se transformó en el ruego desesperado de un gay, o al menos de un gay en el closet, a una chica para que no le quite su... ¿chico bisexual? ¿Bicurioso? ¿Amigo íntimo con el cual quiere que pase algo? Premio a conseguir que una canción de tintes ya retorcidos desde la partida, se volviera todavía más sórdida si es que cabe...

8.- Alanis Morissette - You Oughta Know (1.995).



Y por recordatorio de murinus2009, que la mencionaba en un comentario dentro de la docena de canciones del anterior posteo, llegamos hasta uno de los himnos fundamentales de la llamada Tercera Ola del Feminismo, aquella que se rebeló contra los postulados filomarxistas estilo Beauvoir y promovió un empoderamiento femenino más amistoso con el capitalismo, cuyo epígono en su día fueron las Spice Girls. Este himno se dejó caer sobre el mundo desde Canadá, por parte de una cantante bubblegum que venía a ser algo así ya no como una clon de Madonna, sino la copia de las clones de Madonna, llamada Alanis Morissette, que para el tercer disco decidió desmelenarse un poco y pasarse al Rock Alternativo. La letra, todo el mundo sabe de qué va: es un vaciamiento de cloaca en toda regla sobre el chico que ha dejado botada a la cantante para irse con otra, y la enorme, grandiosa, épica, majestuosa y cosmológica rabieta que se pega la chica porque ha sido abandonada. Por supuesto, en la canción se nos deja claro que él fue el traidor, el que actuó con duplicidad, etcétera, así es que ella tiene todo el derecho del mundo a estar enojada... según la palabra de ella, claro. ¿Alguien dijo linchamiento público? Felizmente, Alanis Morissette nunca ha confesado realmente la identidad de la persona a la que le cantó versitos tan simpáticos como "y cada vez que clave mis uñas en la espalda de alguien más / Espero que lo sientas" ("And every time I scratch my nails down someone else's back / I hope you feel it"). Era 1.995. Hoy en día, la chica en esa situación no compondría una canción. Más bien iniciaría la quema pública en Twitter. Los tiempos han cambiado, qué duda cabe.

9.- Nightwish - Bye Bye Beautiful (2.007).



Trataré de ser breve, porque ya Televisa está tardando en sacarse un culebrón de aquí. Hubo una época en que cierta banda de Finlandia llamada Nightwish eran básicamente nadie. Ellos no inventaron realmente el híbrido de Power Metal Sinfónico Gótico por el que son conocidos; el mérito le pertenece a Therion. Pero sí le sumaron una cantante operática, Tarja Turunen, e inventaron una fórmula explotada después hasta la saciedad por cincuenta millones de otras bandas. ¿Qué pasó después? Nadie lo sabe con certeza. Según la banda, a Tarja se le fueron los humos a la cabeza y entró en modo diva, en particular desde que contrajo matrimonio con un argentino, y los chistes, háganlos ustedes. Según Tarja, la banda misma no intentó hablar con ella ni resolver nada. Como sea, el caso es que grabaron un concierto, que salió en el DVD titulado End of an Era, y luego, terminada la tocata... van y la despiden, sin más ceremonias. El siguiente disco de Nightwish, Dark Passion Play, ya con Anette Olzon de vocalista, incluye la canción Bye Bye Beautiful, que, pues bien, veamos la letra... "¿Acaso escuchaste lo que te dije? / ¿Acaso leíste lo que te escribí? / ¿Acaso escuchaste lo que tocábamos? / (...) / ¿Acaso jugamos para volvernos sólo peones en el juego? / ¿Cuán ciega puedes ser, acaso no ves? / Elegiste el camino largo pero estaremos esperando / Adios bonita" ("Did you ever hear what I told you / Did you ever read what I wrote you / Did you ever listen to what we played / (...) / Did we play to become only pawns in the game / How blind can you be, don't you see / You chose the long road but we'll be waiting / Bye bye beautiful"). Viniendo de una banda que lo que decía, lo que escribía y lo que tocaban, eran canciones sobre amor, mundos feéricos, dolor, pérdida, magia, sueños, ilusión... Por supuesto, Tarja no se quedó callada. El mismo 2.007 salió su disco My Winter Storm, ¿y cómo se llamó su primer sencillo? I Walk Alone. Lo ya dicho, Televisa se está perdiendo una mina de oro aquí, por no comprar los derechos para montarse un culebrón...

10.- Christopher Tin - Caoineadh (2.009).



Christopher Tin es famoso por haber compuesto Baba Yetu, tema oficial del videojuego Civilization IV de Sid Meier, y que en la actualidad es casi el himno oficial de la franquicia. Pero el resto del disco del señor Tin en que se incluye Baba Yetu, titulado Calling All Dawns, es simplemente una joya. Caoineadh es un tema en irlandés, cantado con un grupo a capella femenino llamado Anonymous 4, que es muy solemne y contenido. La letra no parece relacionarse con ruptura amorosa. Es una invocación de una esposa o una amante a su hombre guerrero: "Mi amigo y amor de mi corazón (...), levántate, ponte tus prendas, tu hermosa ropa noble", etcétera. La última línea: "Porque hombres y mujeres se prosternarán delante tuyo" ("mar a n-umhlóidh romhat mná is fir"). Aquí, el puñetazo no está en la letra, sino que parte por el título: traducido al castellano, significa "Llorar" o "Lamento". Eso, sumado al tono fúnebre de la melodía y la interpretación de Anonymous 4, nos revela el verdadero contexto: el personaje al que le cantan que se levante, se vista, porque todos se van a prosternar ante él, etcétera... nunca más se levantará, se vestirá, ni nadie se volverá a prosternar porque... bueno, está muerto. Así, esta canción es una de las más perfectas representaciones artísticas que conozco, de una de las heridas de amor más infernales de todas: la negación que sobreviene cuando fallece una persona amada, con el doliente incapaz de aceptar la realidad y refugiándose en una fantasía de que todo es pasajero, una mala broma, y pronto volverán a estar juntos porque no está muerto... ya saben de qué hablo. Porque al final, bonito es eso de que el amor vence a la muerte, pero en los hechos, siendo bastante cínicos, tiende a ser más que un poquito al revés...

11.- Laibach - Under the Iron Sky (2.012).



Le dedicábamos en su día un doblete de posteos a Laibach, la banda electrónica industrial de troles eslovenos con gusto por grabar covers totalitarios de grandes hits pop, porque soy rebelde porque el mundo me ha hecho así. Por supuesto, cuando en Finlandia rodaron Iron Sky, la película en que un montón de bombásticos y graciosos nazis de la Luna invaden la Tierra, llamaron a Laibach para la banda sonora. Laibach la compuso, y además, se dejó caer con el brutal Under the Iron Sky. En la fachada, es otra canción más acerca de cómo alguien lamenta la partida de su amorcito que lo ha abandonado, y de cómo le es muy difícil abandonar los tristes y dolorosos recuerdos de la ruptura. Hasta ahí, lo normal. Es la línea que viene de inmediato antes del estribillo, la que resulta tétrica: "Estoy esperando por otra oportunidad / para decirte que tú me perteneces" ("I'm waiting for another chance / To tell you belong to me"). Conociendo lo troles que pueden ser la gente de Laibach, uno puede preguntarse si no será intencional, la cuestión es si hemos simpatizado con un enamorado doliente, o con un bastardo posesivo y manipulador. En la película, los cielos de hierro ("iron sky") se refieren por supuesto a los nazis que invaden la Tierra desde la Luna, pero dentro de la canción, en el estribillo, en este contexto, adquiere una concomitancia bastante más siniestra: "Un día, sé que nos encontramos de nuevo bajo el cielo de hierro" ("One day / I know we'll meet again / Under the Iron Sky"). Y uno escucha esto, y ya no sabe si debería alegrarse porque los amados puedan llegar a reconciliarse, o si por el contrario, van a terminar en la crónica roja, o algo peor. Arbait macht Frei...!!!

12.- Hugh Grant - Love Autopsy (2.007).



Y para no salir tan aplastados que puedan pasarnos por debajo de la puerta sin abrirla, terminemos con una nota algo más humorística. De humor negro, por supuesto, porque el amor es así. En la década del 2.000 tuvimos los primeros atisbos de la resurrección ochentera que hoy en día, una década después, ya resulta cansina; en medio de todo eso llegó la película Letra y música, en donde Hugh Grant interpretaba a un personaje obviamente basado en el rubio de Wham!, que hacía equipo creativo con Drew Barrymore mientras debía componer una canción para una entonces desconocida Hayley Bennett como clon de Britney Spears. En medio del bloqueo creativo de Hugh Grant teníamos esa pequeña joya de humor negrísimo que es Love Autopsy: "Figurárnoslo tú y yo / Es como hacer una autopsia de amor / Ellos podrían operar todo el día / Y nunca figurarse que salió mal". Quien dijo que el amor está podrido, seguro que nunca pensó en las dimensiones clínicas de la frase. Pero bueno, seamos optimistas. En la película, el personaje de Hugh Grant acaba con Drew Barrymore... sí, spoiler, pero es una comedia romántica, no es que no se lo esperen, ¿cierto? Mientras que en la vida real, el rubio de Wham! acabó felizmente casado con Keren Woodward, una de las chicas de Bananarama. Para que no todo sea desesperanza universal en este posteo, digo yo.

Y conociendo las costumbres de esa curiosa especie terrícola que son los novios esperando la fecha de la boda, comienzo a preguntarme cuántos de ellos, sin saber lo que dice la letra, encontrarán bonita alguna de estas canciones, y la incluirán en el repertorio. A ver si me cursan invitación, si fuere el caso, para ir y reirme un rato, sotto voce, de la ignorancia de la gente eligiendo canciones para bodas...

domingo, 11 de febrero de 2018

Doce spoilers de los cien primeros años del cine que ya no lo son.

"El mejor amigo de un chico es su madre"... (Spoiler: Adivinen qué película integra el listado).
Los spoilers son algo muy curioso. Esencialmente, un spoiler es la revelación de un giro de trama que el lector o espectador no debía saber, porque se basa ciento por ciento en sorprenderle. El giro de trama tiene por objeto sacar al espectador de su zona de comodidad y cambiarle las reglas del juego. Bien ejecutado, un buen giro de trama hace maravillas por dotar de profundidad a una historia, creando un universo más grande y complejo, con personajes de motivaciones mucho más profundas e interesantes. Mal ejecutado, un giro de trama puede sentirse como un intento gratuito de ganarse al espectador con efectismo y fuegos de artificios. Pero en cualquier caso, el giro de trama se basa en la idea de que el espectador desconoce lo que va a ocurrir. Si la obra es realmente buena, admite una nueva visita incluso conociéndose el giro de trama porque el lector o espectador la apreciará de manera distinta, profundizando en el verdadero contexto; pero si la obra es mediocre, saber el giro de la trama arruina lo único interesante que la obra tenía en primer lugar.

Y ahora viene lo interesante. Un giro de trama realmente bien ejecutado... termina matando su propia efectividad al hacerse popular. Piénsenlo. La película en cuestión, y siempre es una película porque en estos días nadie realmente lee, envuelve un giro de trama tan bien ejecutado, que el espectador después de verla queda entusiasmado y se la recomienda a todo el mundo. El rumor de boca a oreja corre, y más y más gente ve la película en cuestión. Como hay una base de espectadores que ya conoce la película, las alusiones y parodias se vuelven inevitables. La película termina engranándose en la conciencia popular, y con ella, el famoso giro de trama que, se supone, debía ser un secreto y una genuina sorpresa para el espectador. Por eso es que incluir un giro de trama por el amor a un giro de trama en una película, en vez de hacerlo por darle una genuina profundidad al argumento, es contraproducente: porque una vez conocido el secreto, no queda nada más de que hablar. Y por eso, una buena película puede seguir viéndose a pesar de conocer su famoso giro argumental: porque dicho giro no es gratuito, sino que remece y hace cuestionarse al espectador la realidad de lo que está viendo, versus lo que ven o saben los personajes dentro de la historia.

Y con ocasión de todo lo anterior, es que acá en la Guillermocracia haremos un repaso a doce de los más famosos giros de trama en la Historia del Cine. Tan famosos en realidad, que mucha gente ya ni siquiera los ve como tales, porque todo el mundo los conoce y se los espera cuando ve la película, incluso por primera vez. En algunos casos, la misma ha aguantado con ellos, sigue siendo un clásico del cine, e incluso parte del encanto de ver esas películas es esperar ese giro de trama que, se supone, no debía ser esperado en primer lugar. En otros casos, no tanto. Naturalmente, cabe la posibilidad de que ustedes no hayan visto las películas en cuestión, y no tienen idea de cuál es ese giro que, según este posteo, todo el mundo conoce. En ese caso, lo más saludable es saltarse el párrafo respectivo, y seguir con el siguiente. Después de todo, y estoy jugando la carta de la obviedad aquí... este posteo entero está relleno de spoilers. Tanto, que la palabra spoiler está en el título mismo. Y esto va en particular para el lector que se quejó de que, en el posteo Robotech: 10 problemas de continuidad que no habías notado antes, lo único que incluí fueron errores de continuidad que no habías notado en Robotech... Sí, señores, hay gente así allá afuera, que se rompe los dientes estrellándose contra lo obvio.

¿Por qué centrarse sólo en los cien primeros años de Historia del Cine? En realidad, el objetivo es asegurarse de que las películas hayan estado una cantidad de tiempo realmente grande allá afuera, y por lo tanto, que la mayor parte de la gente las haya visto, o al menos, sepan de antemano cómo terminan. Para ese propósito, lo mismo podían ser los cien que los 90 o 108 años, pero como cien es una cifra redonda, la dejamos así. Después de todo, es razonable suponer que todos conocen los spoilers de las películas más importantes hasta 1.995. Así dejamos también fuera el gran spoiler del final de Titanic, que es de 1.997, y que, sorpréndanse, era un final que una chica que conocí, en el año 2.011 no se lo sabía porque había abandonado el cine después del hundimiento del barco pero antes del final, jamás había revisitado la película, nadie se la había comentado... y yo un día, creyendo que ella sabía el final porque ella me había dicho que había visto la película, voy y le reviento con toda falta de malicia que Leonardo DiCaprio se muere. Sí, en 2.011 todavía había gente que se sorprendía con ese último giro de argumento. También, por una cuestión de fechas, dejamos fuera el spoiler de El sexto sentido. Y el de El protegido. Y el de El club de la pelea. Y el de Memento. Y el de La isla siniestra. Y el de The Dark Knight Rises. Y el de El cisne negro. Y el de El despertar de la Fuerza...

Pensándolo bien, hay material suficiente para una segunda parte de este posteo...

1.- Lo que el viento se llevó (1.939).

¿Debería incluir a Lo que el viento se llevó, la famosa película del Annus Mirabilis de 1.939, como un spoiler conocido? Porque su final no es exactamente un giro de trama. La famosa escena final en que Rhett Butler por fin se encuentra sus machos y abandona a la egocéntrica y manipuladora Scarlett O'Hara, en realidad es lo esperable después de la larguísima serie de ninguneos y humillaciones a la que ella lo ha sometido. Aunque una vez dicho esto, es necesario advertir que cuando vi la película por primera vez siendo un niño, sí fue un final que me sorprendió. Estaba acostumbrado a los finales más edulcorados y felices, y pensaba que después de todo el dolor y el sufrimiento, de alguna manera, ambos se iban a reconciliar, quedar juntos, y en general todo lo que en la esfera angloparlante llaman el happy ending. Por supuesto, si la película hubiera terminado así, no hubiera sido una historia tan buena, y sobre todo, tan realista; pero ésas son cosas en las que repara uno ya siendo adulto. Como sea, pasó a la Historia el famoso final en el cual Scarlett le pregunta a Rhett qué hará, y él le responde que: "Francamente, querida, me importa un bledo" ("Frankly, my Dear, I don't give it a damn"). Aunque sea porque la productora se llevó una pequeña multa al incluir una grosería. Me pregunto cuánto habrían tenido que pagar los productores de Buenos muchachos, o los de Casino, por el mismo concepto si tales reglas siguieran en pie.

2.- El mago de Oz (1.939).

Contemporánea a Lo que el viento se llevó en ese jugoso 1.939 cinéfilo, vino El mago de Oz. Y producida más o menos por la misma gente, hasta el punto que ambas películas compartieron más o menos los mismos directores. La película no fue un éxito en su día, aunque con el paso del tiempo fue ganando enteros gracias a su valor camp, y también gracias a que ciertos sectores del público vieron el concepto como una metáfora de la homosexualidad en el closet. Como sea, la historia de Dorothy viajando por la tierra de Oz en busca del famoso Mago de Oz que, se supone, la encaminará de regreso a Kansas, se guarda un significativo giro de trama: el famoso mago en realidad no tiene poderes mágicos, incluso en un mundo con magia verdadera, sino que es un charlatán de feria que ha conseguido entronizarse gracias a puro juego de humo, luces y espectáculo. O sea, un economista de Wall Street cualquiera. De hecho, no nació en Oz sino que es estadounidense y además inmigrante ilegal, para mayor sorna. Y por supuesto, ya sabemos cómo el Mago se zafó: con más labia. Diciéndole al león que es valiente, al espantapájaros que tiene cerebro, etcétera. Y de que la bruja desgraciada sabía desde el comienzo acerca de que los zapatos podían llevar a Dorothy a Kansas, mejor no hablemos. Porque si hay una moraleja que deja esta película, es que no debemos ir a Oz bajo ninguna circunstancia: algo en el aire o el clima convierte a la gente en malas personas.

3.- Ciudadano Kane (1.941).

En 1.941, un joven cineasta llamado Orson Welles estrenó una película revolucionaria. Tanto, que los cineastas del siguiente medio siglo se desvivieron copiando sus técnicas narrativas hasta el punto que viendo esta joyita, ni siquiera parece demasiado revolucionaria hoy en día. O de cómo las imitaciones terminan por matar la grandeza del original. Para su opera prima, Orson Welles eligió rodar un biopic disimulado de William Randolph Heart, el empresario periodístico; éste no se lo tomó para nada bien, y ejerció toda su influencia para ningunear la película y conseguir que fracasara. La historia va acerca de un poderoso empresario de apellido Kane, que muere solo y abandonado, y suelta una última palabra: "Rosebud". Palabra de la cual los periodistas se enteran de alguna manera, porque viendo atentamente la película, es fácil ver que el Kane de marras muere realmente solo y abandonado: una mucama entra después de que Kane ha fallecido, y por tanto, no había nadie para escuchar la palabra en cuestión. La película entera se estructura en torno a las entrevistas que hace un periodista a varios personajes que han acompañado en un punto u otro a Kane como compañeros de trabajo, amigos, o intereses románticos, intentando descubrir quién es Rosebud, porque todos piensan que es una amante. Todos saben lo que al final era Rosebud, incluso hasta el tarado de Peter Griffin: era la marca del trineo en que Kane jugaba en su infancia, y metafóricamente, el símbolo de su inocencia perdida. Pero no todos saben lo que podría haber sido Rosebud: cuenta la rumorología, que ése era el sobrenombre que Heart le ponía a cierta muy íntima y venérea región de la anatomía femenina de sus amantes... Eso sí que es un spoiler que probablemente ustedes no conocían.

4.- El tercer hombre (1.948).

Así como todo el resto del cine de Orson Welles, muy poca gente hoy en día ve El tercer hombre. Lo que es una lástima, porque es un thriller mayúsculo, incluso conociendo su gran giro sorpresa. El cual se ve venir a la milla, como ustedes podrán concluir porque estamos en un posteo cuyo título es Doce spoilers de los cien primeros años del cine que ya no lo son. La película es tan buena, que fue incluso parodiada y homenajeada en un capítulo de Pinky y Cerebro, lo que es uno de los homenajes culminantes que puede recibir una película en la civilización occidental. Estamos en Viena, después de la Segunda Guerra Mundial; el protagonista es un literato que vive de escribir fantasías escapistas de vaqueros, y que viaja a Austria en busca de un viejo amigo llamado Harry. Al cual lo están enterrando el mismo día en que llega. Lo que sigue es, por supuesto, la investigación acerca de cómo murió Harry, porque hay muchas cosas extrañas respecto de esto, en particular dentro de una ciudad tratando de levantarse después del caos de la guerra. Si nunca han visto la película, o leído la novela original de Graham Greene, aún así es fácil que vean venir el giro, por la cantidad de veces en que después se ha utilizado: el famoso Harry en realidad está vivo, aunque ha falsificado su muerte. Sin embargo, la película sigue aguantando el tipo hasta el día de hoy, porque es una deconstrucción brutal de nuestras nociones clásicas y preconcebidas acerca de lo que es el bien y lo que es el mal. El héroe de la historia es un poco idealista, pero esto no es retratado como algo bueno, sino por el contrario, como un signo de infantilismo, mientras que el villano es un tipo realmente monstruoso, pero uno puede preguntarse hasta qué punto es un tipo tratando de acomodarse a un mundo cayéndose a pedazos, en una sociedad sin reglas, o simplemente un psicópata sin escrúpulos a quien no le importa jugar con la salud de la gente por hacerse con unos dólares más. Una película sin lugar a dudas sincera y muy dolorosa acerca de lo que significa crecer y madurar, para descubrir que la vida es en definitiva una porquería. Basada en la novela escrita por un autor católico, por cierto, y utilicen este dato como quieran.

5.- Las diabólicas (1.955).

Es poco probable considerando que no fue exactamente un éxito de taquilla, pero cabe la posibilidad de que, si no han visto la versión original de 1.955 dirigida por Henri-Georges Clouzot, aún así conozcan esta película por el remake de 1.996, con Isabelle Adjani y Sharon Stone. En la original eran Véra Clouzot y Simone Signoret, actrices clásicas del cine francés de la época. La historia en ambos casos es más o menos la misma: una pobre infeliz está casada con un marido que es un desgraciado. Aparece en escena la amante del marido, que le hace una proposición a la señora: el tipo es tan miserable, que mejor unen fuerzas entre las dos y se lo cargan. Logran llevar a cabo lo que parece un asesinato perfecto, pero de pronto, las cosas raras empiezan a apilarse unas sobre otras. Me pregunto si los espectadores de 1.955, aleccionados por El tercer hombre, llegaron a oler lo que pasaba. En cambio, cuando yo mismo vi en el cine el remake de 1.996, sin haber visto la película original por esas fechas, me dije para mi capote: "La única manera en que todo esto pueda hacer sentido, es que el marido en realidad no está muerto, sino que está vivo, y está trabajando en complicidad con la amante por alguna razón". Adivinen. En efecto, el marido está vivo. El final de ambas películas, eso sí, es diferente. No voy a decir cómo terminan, averígüenlo por ustedes mismos. Por cierto, si la idea de las mujeres haciendo algo al margen de la ley sólo para ser acosadas por el peso de su propia culpabilidad les suena hitchcockiano... El Maestro del Suspenso mismo pudo haberla dirigido, porque quería hacerse con los derechos de la novela original, pero no pudo. No desesperéis por esto, pequeñuelos. El escritor de la novela en que se basó esta película, Boileau-Narcejac, después escribió otra novela que sí fue adaptada por Alfred Hitchcock, la cual es Vértigo. Que también tiene un spoiler conocido que no incluimos aquí porque si de Hitchcock se trata, preferimos el más famoso spoiler de...

6.- Psicosis (1.960).

La madre de los spoilers que todo el mundo conoce. Porque en la película hay dos de ellos, y gordos. Tanto, que el propio gordo en jefe, el director Alfred Hitchcock, pidió a las salas de cine que nadie, absolutamente nadie, fuera admitido luego de comenzar la película. Eso era lo nunca antes visto. En esos tiempos las películas se exhibían en rotativos, los espectadores podían entrar en cualquier parte de la misma, quedarse la cantidad de horas que quisieran, y ver todas las funciones en circuito si así lo querían; ésa es la razón por la que el verdadero argumento de las películas antiguas suele comenzar en la mitad de la película, y toda la primera mitad es puro relleno. Hitchcock subvirtió deliberadamente esto, ya que en la primera mitad de Psicosis presenta una historia y un personaje... para luego matarlo de manera pura y dura y sin asco a mitad de la película. Y para remachar el punto de que Marion Crane estaba muerta y no iba a resucitar, se ve como Norman Bates dispone del cuerpo. A partir de entonces se revela que la historia en verdad va de ella y su madre. Y aquí es en donde viene el segundo spoiler gordo y mayúsculo: la madre llevaba años muerta, y el asesino fue siempre Norman Bates, que estaba loco como una cabra. La idea de un asesino con doble personalidad era tan impactante, que Hitchcock se sintió obligado a añadir una secuencia final explicando el giro del argumento, por si los espectadores no lo captaban. Hoy en día no hace falta: el asesino serial con problemas psicológicos se ha vuelto un cliché tan repetido, que las películas ya ni intentan ejecutarlo. Lo que es positivo: cuando una película lo intenta, cuenta como una genuina sorpresa porque ningún espectador avisado supone que van a recurrir a la misma gastada trampa argumental por enésima vez.

7.- El planeta de los simios (1.968).

Un poco a la sombra de 2001: Odisea del espacio, y en el mismo año, en 1.968 se estrenó otro clásico de Ciencia Ficción: El planeta de los simios. La película es una adaptación de la novela de un autor francés llamado Pierre Boulez, quien la escribió como una metáfora de sus experiencias como prisionero de guerra de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. En la película, un grupo de astronautas llega a otro planeta en el cual, sorpresa, los simios mandan y los humanos son esclavos. El astronauta protagonista, interpretado por el siempre grandilocuente Charlton Heston, andando las aventuras hace un descubrimiento horrible: jamás ha viajado a otro planeta, sino que ha sido siempre la Tierra, y los simios han construido su sociedad sobre las cenizas del holocausto nuclear provocado por los estúpidos humanos. Irónicamente, en 1.968 ni los propios cuatro gatos que se hubieran leído la novela, hubieran anticipado el final: en la novela original... sí, voy a reventar el final de la novela original aquí... el planeta de los simios ha sido siempre otro mundo diferente a la Tierra, aunque hubo una civilización humana extinguida ahí, y cuando el protagonista por fin regresa a la Tierra... ha ocurrido exactamente lo mismo. Porque por una vez, la película mejoró la novela original. Por supuesto, aparte de la popularidad de la película, parte importante de por qué la sorpresa se la han fusilado radica en que engendró cuatro secuelas, que construyen sus argumentos justamente a partir de esa revelación. En el año 2.001, el remake de Tim Burton intentó rizar el rizo con un giro de trama final todavía más rebuscado, que no le gustó a nadie, aunque curiosamente se parece un poco más a la novela original que la versión de 1.968. El reboot de 2.011, por su parte, ya ni siquiera intenta jugar al misterio, y parte derechamente en nuestro mundo actual, describiendo de manera parsimoniosa cómo ciertos eventos llevan al colapso de la civilización humana, y al ascenso de los simios como especie dominante sobre la Tierra... o lo hará en tantas películas como pueda estrujarse la por ahora trilogía, claro está.

8.- Cuando el destino nos alcance (1.973).

Charlton Heston otra vez, ahora interpretando al detective privado de una distopía futurista. En la época en la cual crecía la marea del interés por la Ecología, el novelista Harry Harrison escribió una distopía más o menos satírica, pero satírica en el sentido amargo del término, llamada ¡Hagan sitio, hagan sitio! Como de costumbre, Hollywood adaptó la novela, y la cambió hasta convertirla en algo casi irreconocible, partiendo por el cambio de título: Soylent Green en inglés. El famoso soylent del título son una especie de galletas que se fabrican para alimentar a la población, porque vivimos en un mundo futuro afectado por la superpoblación hasta un punto tal, que la comida de verdad es un lujo reservado para las minorías más acaudaladas. Un empresario vinculado a la fabricación de dichas galletas aparece misteriosamente muerto, y el detective de rigor cree que se trata de un asesinato. Por supuesto, lo que debería ser una investigación de rutina se transforma en un descenso a los infiernos de la estructura misma de la sociedad, cuando el protagonista descubre que "el soylent es de humanos". En efecto, el soylent utilizado para alimentar a las masas hambrientas, se fabrica con los cadáveres de esas mismas masas hambrientas, faenadas hasta convertirla en harina. La película fue rodada antes de que estallara en el mundo la epidemia del SIDA; si ya en esa época era poco probable que alguien tuviera las bolas de comerse galletas fabricadas con harina de cadáver de humano, que ahora en la actualidad puedan venir con alguna clase de virus de inmunodeficiencia, colma el plato. ¡Si nuestra sociedad incluso sacrifica aves por centenares únicamente porque alguna de ellas pueda estar infectada de gripe aviar...! Estas son distopías de las buenas, o sea, asquerosas de vivir y también de ver en el cine, y no la mucho más aséptica Yo robot, en la cual los robots podían sublevarse y dar un golpe de estado por el bien de los humanos, por supuesto, pero al menos la comida sigue siendo la buena y vieja carne de vaca, mucho más sabrosa y nutritiva que la carne de humano, podemos suponer.

9.- El Imperio contraataca (1.980).

Esa serie televisiva que alguna vez, cuentan las leyendas, fue genial, y con ello me refiero a Los Simpsons, parodió el tema del spoiler conocido con recochineo, tratándose de El Imperio contraataca. En un episodio de inicios de la década de 1.990, nos muestran el romance de Homero y Marge, con ambos saliendo del cine y él diciendo a toda boca: "¡Mira qué sorpresa, quién iba a pensar que Darth Vader era el padre de Luke!", a lo que la fila entera de espectadores queriendo comprar una entrada casi lo linchan ahí mismo por revelar el gran giro de trama. Hoy en día, por supuesto, todo el mundo sabe esto, más aún desde la Trilogía Precuela, de manera que si se ven las películas en orden cronológico de las mismas, o sea las precuelas primero y la Trilogía Original después, el espectador ya no se siente sorprendido sino que es casi la historia trágica de un oscuro secreto que nosotros sabemos y el inadvertido Luke no. Eso, por no hablar de que el venerable Obi Wan Kenobi ahora se ve como un desgraciado por esconderle a Luke la verdad primero, y por decirle que siempre le dijo la verdad... desde cierto punto de vista... después. Más aún, el giro de argumento fue tan sorpresivo, que muchas otras películas decidieron meter el mismo giro sorpresivo de argumento hasta que, sorpresa... dejó de ser sorpresivo. Lo que alcanzó niveles de ridículo supremo cuando Los expedientes secretos X jugaron a insinuar durante algunas temporadas que el Fumador era el padre de Fox Mulder. Y la mejor parte de todo es que el giro argumental de El Imperio contraataca fue sorpresivo porque... ni el propio guión original lo contemplaba. En la historia original, Darth Vader y Luke Skywalker eran enemigos, y punto final; fue en una reescritura del guión que se incorporó esta idea. La cual fue tan sorpresiva, que David Prowse al interpretar a Darth Vader en esa mítica escena, le pasaron unas líneas completamente equivocadas de diálogo, por lo que Prowse dijo "No, Obi Wan mató a tu padre", y se llevó un fastidio enorme cuando descubrió la verdad; debemos recordar que en la Trilogía Original, David Prowse prestaba el cuerpo a Darth Vader, y James Earl Jones grababa la voz por separado. El hecho de que este spoiler haya sido incorporado a última hora, hace que el guión no presente casi ningún elemento que prefigure esto, lo que incrementa el factor sorpresa... y lo que hoy en día sería una trampa en toda regla por parte del guionista y en contra del espectador.

10.- Terminator (1.984).

Antes era mucho más fácil el ser sorprendido por una película. Hoy en día, los blockbusters son anunciados con meses de anticipación, con noticias del rodaje que por lo general deslizan ideas acerca de por dónde van los tiros, trailers que destripan tramas enteras, comentarios en foros y redes sociales que arrojan spoilers sin asco ni vergüenza... Pero en 1.984 era distinto. Hoy en día, James Cameron es un grande de Hollywood y Terminator una obra maestra, pero en su día, la película fue estrenada sin muchos bombos ni platillos; el único crédito anterior de su director, después de todo, era Piraña II, y el gran reclamo de la película era que Arnold Schwarzenegger regresaba a las pantallas después de Conan el Bárbaro, y nadie sabía si el austríaco iba a sobrevivir al hype. Y entonces se abre la película con un par de viajeros del futuro que arriban al presente, al de 1.985 por supuesto, y tratan de encontrar a una ciudadana registrada cuyo nombre es Sarah Connor. En una discoteca sobreviene un tiroteo, y uno de los fulanos le pega un escopetazo a Schwarzenegger. Fin de la película, a miserable media de hora de haber comenzado: nadie es capaz de sobrevivir a un escopetazo de ésos. Y luego... Schwarzenegger se levanta. Porque, y agárrense aquí... no es un ser humano sino un cyborg. El personaje, no el actor, quizás sea necesario aclarar por lo que pueda parecer. Conocí un día a un policía, hoy en día jubilado por supuesto, que vio la película en su día en el cine: comentó que cuando vio al terminator sobrevivir a eso y pararse como si nada, casi se dejó la mitad del aparato excretor en la butaca. Por supuesto que eran otros tiempos, más inocentes. No necesariamente más limpios, pero más inocentes sí.

11.- El juego de las lágrimas (1.992).

Una de las modas del cine de la década de 1.990, fue el terrorismo irlandés, el cual lo exprimieron bastante, antes de que el caño se cerrara con el tratado de paz definitivo entre el IRA y el gobierno inglés, algunos años después. Harrison Ford como Jack Ryan combatió al IRA en Juego de patriotas, Tommy Lee Jones era un terrorista IRA que se dedicaba a colocar bombas en Lluvia de fuego, Brad Pitt era un terrorista IRA haciendo la vida de Harrison Ford una peste en Enemigo íntimo, Daniel Day Lewis era encarcelado injustamente por un atentado del IRA en En el nombre del padre... y en medio de todo esto, se estrenó un poco sin bombos ni fanfarrias, otra película con terroristas del IRA metidos en el ajo: El juego de las lágrimas. Promocionada con The Crying Game, una canción de Boy George, y el cantante debería haber sido una pista. Dirigida por Neil Jordan, lo que no era una pista porque faltaba un poco para Entrevista con el vampiro. La película parte muy normal: terroristas del IRA secuestran a un pobre fulano, lo tienen de rehén, el secuestrado se hace amigo de uno de los captores, y cuando se cargan a los terroristas, el secuestrado decide buscar a la chica del antiguo tipo. Por supuesto, y esto lo saben aunque no hayan visto la película... la chica no era una chica. ¿Dije lo que no debía? Yo avisé que esto venía con spoilers; la palabra spoiler está en el título del posteo, por el amor de Carl Sagan. El golpe de guión era tan bueno, que el tagline era: "La película de la que todo el mundo habla... pero nadie revela su secreto". Era tan secreto, de hecho, que cuando el actor Jaye Davidson se agarró una gripe, el médico que hizo el examen en el set le dijo después al director que considerara la posibilidad de que estuviera embarazada... y después se preguntó por qué Neil Jordan y otras gentes se reían tanto. No fueron tan pesados, de todas maneras; al doctor le explicaron la situación en secreto después. Lo interesante es que, a pesar de saberse el secreto, la película aguanta muy bien verla por segunda vez, en buena medida gracias a que es un excelente drama de personajes, mientras que la subtrama del IRA termina pasando un poco a segundo plano, y es apenas la excusa para meterle un poco de tragedia al asunto. Eso sí, el spoiler después fue arruinado por las incontables parodias que se rodaron después, incluyendo una bastante cerda en Y dónde está el policía 33 1/3, con el debido respeto a los cerdos. Pero eso no es nada al lado del enorme reventón de spoiler que se mandó... la mismísima Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, cuando nominó a Jaye Davidson, la persona que interpretaba a la chica... en la categoría de Mejor Actor Secundario, como no podía ser de otra manera. La película se había estrenado en Octubre de 1.992, los Oscares fueron anunciados en Febrero de 1.993, y la ceremonia fue en Marzo siguiente... cuando todavía había importantes mercados, incluyendo Australia, en los cuales la película no había sido estrenada. Para colmo, ni siquiera ganó: el trofeo se lo llevó Gene Hackman por Los imperdonables. Jaye Davidson volvió a actuar una vez más, en Stargate de 1.994, antes de retirarse para siempre del cine, lo que ayudó a preservar el secreto; sería ridículo que hoy en día, Jaye Davidson fuera uno de los actores más reconocidos del mundo, y todo el mundo se sentara a ver El juego de las lágrimas porque "es la película en la que partió actuando, y... un momento, ¿interpreta a una chica...?".

12.- Goldeneye (1.995).

A mediados de la década de 1.990, James Bond parecía un fósil del pasado. Ahora está bajo las órdenes de una M mujer, herejía grande ésta en una franquicia tan viril como la de 007, que le dice crudamente: "Pienso que eres un dinosaurio misógino y sexista, una reliquia de la Guerra Fría, cuyos encantos de muchachito, desperdiciados en mi, obviamente atrajeron a esa joven a la que envié para evaluarte". Por eso, el triunfo de Goldeneye fue tan glamoroso, tanto que se convirtió en conocimiento común no sólo el hecho de que Alec Trevelyan sobrevive a la escena de precréditos, sino que además es revelado a mitad de película como el villano. Recordemos: diez años antes, 007 y 006, que es Trevelyan, se infiltran en la Unión Soviética y sabotean una instalación militar, de lo cual parece que Trevelyan termina muerto. Por eso, cuando Trevelyan es revelado como Janus, el gran villano, la película juega la carta sin ninguna ironía. ¿Puede quedar en la actualidad alguien sorprendido entonces con este giro de argumento? La verdad es que... quizás sí. Supongamos un niño o un preadolescente a quien le sudan las películas Bond anteriores a Daniel Craig, que por accidente ve Goldeneye sin ninguna noticia ni expectativa. Ese niño o preadolescente podría quedar genuinamente sorprendido porque... Alec Trevelyan es interpretado por Sean Bean, el santo patrono de los personajes llamados para la masacre, aunque esto por casualidad, ya que en la época, la fama de Sean Bean como intérprete de personajes crónicamente asesinados no había quedado cimentada, porque su Boromir de El Señor de los Anillos y su Ned Stark de Game of Thrones todavía pertenecían al futuro. Visto desde el futuro, que el personaje de Sean Bean sobreviva a su casi muerte es casi una subversión de los roles que ha asumido después... hasta que muere al final de la película, por supuesto. Es el villano, después de todo, y en la franquicia Bond, sólo Blofeld y un par de matones se cuentan en la lista de villanos que han conseguido sobrevivir a su enfrentamiento con 007.

Por supuesto, si van a comentar... sean amables y anuncien los spoilers. Puede que alguien se haya saltado un párrafo, pero lee el comentario de marras y se termina comiendo el spoiler lo mismo. Y también, cuidado con meter spoilers de cosecha propia, de otras películas, libros o videojuegos. No todos hemos visto todas las películas, y todavía hay gente que ignora que Samus... mejor no sigo.

miércoles, 7 de febrero de 2018

El cine de 2.017 según los ciudadanos de la Guillermocracia (2 de 2).


Decíamos en la primera entrega de esta serie de dos posteos, que le ofrecíamos la palabra a los lectores de la Guillermocracia para que dejaran sus amables o no tan amables comentarios acerca de las películas que vieron en los cines durante el 2.017. O en las cadenas de Internet tipo Netflix, porque a estas alturas del partido, éstas ya son casi parte del paisaje. Cine de estreno, claro, que si es por ver películas, en televisión todos vemos de todo. Ya le dábamos un repaso a un buen turrón de películas en la entrega anterior, y ahora viene la segunda parte, con los comentarios de los lectores... Bueno, en realidad de murinus2009, que es quien dejó la mayor cantidad de ellos. Pero la tribuna estaba abierta para todo el mundo, y seguirá estándolo si repetimos esta iniciativa para el próximo año. Y sin más preámbulo, seguimos con el repaso.


El rey Arturo: La leyenda de la espada (King Arthur: Legend of the Sword / 8 de Mayo de 2.017).

Guy Ritchie decide dejar a un lado sus películas de matones barriobajeros en el Londres contemporáneo, y rueda una película de matones barriobajeros en la época de Camelot. Sobre si es buena, mediocre o mala, les comentaré mi opinión el día en que pueda verla entera, porque estaba tan mullida la butaca del cine, que... ZZZZZZZZZZZZ.
  • murinus2009 comentó: Bien, elaboración diferente para este tipo de cintas e historias, no hay mucha épica y grandilocuencia, sino mas bien guerrilla y astucia.

Alien: Covenant (12 de Mayo de 2.017, en Inglaterra).

Después de que Prometeo fuera recibida con rechiflas por todo el mundo y algunos otros planetas cercanos, prometieron que iban a enmendar el rumbo con su secuela, Alien: Covenant, dirigida una vez más un Ridley Scott cada vez más cerca del asilo. Lo que obtuvimos fue otra película sobre otro grupo de exploradores que comete otro grupo de errores tarados que los exponen a todavía otro xenomorfo con ganas de merienda. En su día, Ridley Scott prometió tres intercuelas entre Alien: Covenant y la Alien original de 1.979; después del fiasco, las declaraciones van en la línea de apostar por una más, y después... quién sabe. Y por supuesto, todo el mundo se pregunta dos cosas. Primero, ¿para esto cancelaron la película de Alien que iba a rodar Neill Blomkamp con Sigourney Weaver regresando a la franquicia? Y segundo, ¿en dónde consigo un huevo de facehugger para enviárselo por correo a los jefazos que controlan la franquicia? Gracias.
  • murinus2009 comentó: Bien hecha, entretiene, pero la resolucion de la Mitologia del Alien-Xenomorpho y los Ingenieros, me parece tosca y traicionera.

Wonder Woman (15 de Mayo de 2.017, en China).

En 1.978, Superman te hizo creer que un hombre puede volar. En 2.013, El hombre de acero te hizo creer que un hombre puede hundirse como un plomo. En 2.016, los fiascos sucesivos de Batman vs. Superman y Escuadrón Suicida destruyeron la fe en el Universo Expandido DC. Por lo que el exitazo de Wonder Woman pilló a todo el mundo por sorpresa. ¿Porque al ser una precuela, pudo hacer caso omiso del resto de la continuidad? ¿Por su tono más ligero? ¿Simplemente la gente no esperaba casi nada de ella? Como sea, todo el mundo dio por salvada la franquicia de los superhéroes DC. Claro, faltaban meses para que se estrenara La Liga de la Justicia...
  • murinus2009 comentó: La que mas me ha gustado del D.C. Universo, bien elaborada, entretenida, escenas memorables, protagonista carismática, Buena, pese a fallar los villanos.

Baywatch (25 de Mayo de 2.017).
  • murinus2009 comentó: Mas parece una pelicula de; Son of The Beach ¿la recuerdan? entretiene, aporta mucho el carisma y humor de: Dwayne "La Roca" Johnson y las chicas en bikini.
Habrán notado que invertí el orden, primero el comentario del amable lector murinus2009 y luego el mío. ¿Por qué? Voy a hacerles una confesión bochornosa. Vi esta cosa en el cine. Sí, pagué mi entrada. ¿Por qué? Ese día me apetecía ver algo liviano y descerebrado. Y no hay nada que pueda añadir respecto de esta película, que lo ya dicho de manera tan genial por murinus2009, de que parece una versión fílmica de Son of the Beach. Bueno, al menos las chicas estaban guapas. Que no son películas diseñadas para ganar Oscares, vamos. De hecho, podría llevarse algún Razzie para la casa. Cuatro de ellos, porque otras tantas son las nominaciones...


Viene de noche (It Comes at Night / 9 de Junio de 2.017).

En los anales del cine, la década de 2.010 va a pasar entre otras razones por la enorme explosión de películas de terror de bajo presupuesto, género que parecía en decadencia. Viene de noche sigue la tendencia: bajo presupuesto, parca en locaciones, intento de crear suspenso psicológico a partir de la atmósfera, etcétera. Consiguió hacer caja más bien por lo esmirriado del presupuesto, apenas dos millones y medio de dólares, porque al público en general no le gustó, aunque la crítica la alabó lo suyo.
  • murinus2009 comentó: Predecible, ritmo lento, decisiones absurdas, trató de plantear dilemas morales en situaciones limite, yo creo que falló, aburre.

La muñeca vudú (Worry Dolls en Inglaterra, The Devil's Doll en Estados Unidos / 27 de Junio de 2.017, en Inglaterra).

Uno se pone a elaborar posteos como éste, y se encuentra con sorpresas como ésta. Yo ni sabía que existía esta película. Según la Wikipedia en inglés, va de un detective que intenta liberar a su hija de la influencia de una muñeca hechizada o diabólica que incita a cometer crímenes, o algo así... La película fue estrenada sin mucha fanfarria, primero en Inglaterra directo a DVD, y luego bajo distribución limitada en Estados Unidos. Y... no mucho más es lo que puedo informar, Vuestra Señoría.
  • murinus2009 comentó: Cinta de terror muy sencilla y con cliches del genero, pero bien hecha, fallan creo yo los villanos, parece mas hecha para tv.

Baby: El aprendiz del crimen (Baby Driver / 28 de Junio de 2.017).

Cuando vivimos tiempos en los cuales pareciera que no le dan luz verde a nada que no sea una secuela, remake, spin-off o reboot, todavía nos sorprenden con cositas como ésta, una película de bajo presupuesto sobre criminales y automóviles que le debe más que un poco al clásico cine de atracadores con persecuciones automovilísticas que estuvo tan de boga en la década de 1.970. No se puede decir que la película haya tenido un éxito apoteósico, pero debido a su bajo presupuesto, hizo toda la caja que necesitaba y mucho más. Probando una vez más que los grandes blockbusters son el elefante blanco del cine actual, y que el futuro está en esta clase de cintas sin muchas ambiciones, pero que por costar poco, a la larga terminan rentando mucho más.
  • Pascual Medina comentó: Buena película. Parece una de Tarantino. Tiene una armoniosa banda sonora.personajes geniales y bien interpretados.protagogonista con cierto carisma. Buenas Escenas de acción. Es entretenida.
  • murinus2009 comentó: Buena cinta de acción: persecuciones, tiroteos, suspenso, dudaba del protagonista Ansel Elgort, pero esta bien y la música no me fue memorable, pero está bien.

Dunkerque (Dunkirk / 13 de Julio de 2.017).

Inicialmente director de thrillers, Christopher Nolan se ha ido diversificando en géneros, y también se ha convertido en un tipo divisivo, genio del cine para unos, patán sobrevalorado para otros. Como sea, verlo dirigir en un género tan de capa caída en los últimos años como las películas de Segunda Guerra Mundial, ya era digno para pagar la entrada. La taquilla respondió: algo más de 500 millones sobre un presupuesto de 100. La crítica la adoró. Fue postulada a tres Globos de Oro, aunque se fue de vacío. A inicios de Marzo veremos cómo le va con sus ocho nominaciones, ocho, a los Oscares.
  • murinus2009 comentó: 3 historias sobre Cumplimiento del deber. Heroísmo y Supervivencia en tiempos diferentes, de las mejores batallas aéreas que recuerdo ver, esperaba mas acción pero esta bien, me gustó.

Viento salvaje (Wind River / 4 de Agosto de 2.017).

Cualquiera diría que un thriller protagonizado por Elizabeth Olsen y Jeremy Renner iba quizás no a ser un taquillazo, pero como mínimo llamar la atención, aunque sea por verlos a ambos juntos en un lugar que no sea el Universo Cinemático Marvel. Pero no sucedió. Esta película sobre la investigación de un asesinato a campo abierto en una reserva indígena de Estados Unidos, pasó sin pena ni gloria. Bueno, hizo 40 millones de dólares de caja sobre un presupuesto de apenas 11, así es que un fracaso tampoco fue. Pero quizás podía esperarse más, considerando la premisa y los actores involucrados. En fin.
  • murinus2009 comentó: Quizá mi favorita de 2018, historia sencilla y predecible, con muchos clichés, pero muy bien hecha, Spoiler aqui... unos de los mejores tiroteos que he visto en años.

Anabelle: La creación (Annabelle: Creation / 11 de Agosto de 2.017).

Quién lo hubiera dicho, pero así a lo tonto, una peliculilla de terror de serie B llamada El conjuro, estrenada por allá en 2.013, se las ha apañado para construir su propio universo compartido, quizás el más exitoso al lado del Universo Cinemático Marvel por su pequeña escala en cuanto a presupuesto, mientras que la Warner hace lo que puede con los superhéroes de DC Comics y los kaijus, y la Universal no consigue hacer despegar a sus monstruos clásicos. Anabelle: La creación es la cuarta entrega de la franquicia, y viene una quinta en camino para 2.018. Lo ya dicho: en estos tiempos, bajo presupuesto es la clave.
  • murinus2009 comentó: Primer cinta que veo del, Conjuring Universe, bien elaborada, entretenida buen terror y algo de Gore (es PG-13) creo que amplia bien la franquicia.

It (5 de Septiembre de 2.017).

En realidad, nunca fui demasiado fanático de la miniserie de 1.990, que me pareció desperdiciaba un tremendo build-up en un remate bastante tontorrón y cliché. Listo, ya pueden lincharme. Por eso, soy de los que veía con buenos ojos un remake, porque si no salía mejor, al menos no podían empeorarlo mucho. Estrenada en Septiembre, mes tradicional de las películas de cloaca de las que nadie espera nada, It acabó resultando la bomba: 700 millones de taquilla con apenas 35 de inversión. A algunas personas les gustó, a otras no tanto... y en lo que a mí respecta, ya tengo apartado el dinero para el boleto de la secuela.
  • murinus2009 comentó: Me gusto mucho, protagonistas desamparados ante Horror que los sobrepasa, buen terror, bien elaborada, buenas actuaciones, villano memorable.

Madre (mother! / 15 de Septiembre de 2.017).

Darren Aronofsky nunca ha sido un tipo de gusto masivo, pero probablemente ninguna película suya ha sido tan denostada como ésta, con razón o sin ella. ¿Es Madre una increíble genialidad llena de interesantes subtextos y lecturas, o por el contrario, es una chorrada cultureta que no vale la resma de papel sobre la cual se imprimió el guión? Vaya uno a saber. En cuanto a nuestros lectores...
  • murinus2009 comentó: Caotica, ciclica, me recordo por su historia de desastre que crece, tipo bola de nieve, a caricaturas donde los personajes avanzan a un duelo primero a mano y terminan con tanques y artilleria.

Kingsman: El círculo dorado (Kingsman: The Golden Circle / 20 de Septiembre de 2.017, en Inglaterra).

Había entusiasmo por esta película, por parte de los productores, no se diga que no. El director Matthew Vaughn, que aparte de rodar la película anterior de la franquicia nos ha regalado con joyitas como Stardust o X-Men: Primera generación, dijo que el corte original de la película iba sobre las tres horas y media, y que le pidieron estrenarla en dos partes; al final optaron por cortarle cerca de ochenta minutos de metraje. Al final, todo el mundo está de acuerdo en que es un paso atrás respecto de la primera entrega. Qué tanto, si es buena pero no tanto o si es simplemente mala, ya es cuestión de opiniones. En cualquier caso, ya hay anuncios de secuela y spin-off, aunque en estos días, ¿de qué película no los hay?
  • murinus2009 comentó: Decepción, aburre, protagonista anodino, buenos personajes desperdiciados, se salva: el plan villano y el trailer de; My Way.

El regreso del demonio (Jeepers Creepers 3 / 26 de Septiembre de 2.017).

Hollywood se vuelve cada vez más nietzscheano: el Eterno Retorno, todo vuelve, nada termina. ¡Si viene una secuela de Mary Poppins medio siglo después de la primera...! ¿A alguien le sorprende entonces que hayan resucitado una franquicia con dos entradas en 2.001 y 2.003... década y media después? Lo hicieron. Le dieron un estreno limitado en los cines de Estados Unidos, apenas una función especial en un único día, y punto. El resto en Estados Unidos, a verla por televisión. Por alguna razón, en Latinoamérica sí que la estrenaron en cines. Así de poco nos quieren y así de mucho nos castigan desde el país del águila calva...
  • murinus2009 comentó: Entretenida, elaboracion deficiente; mal CGI, personajes extraños, El mejor villano que recuerdo en años, si es la ultima, mal cierre de Trilogia, las predecesoras son muy buenas.

Blade Runner 2049 (3 de Octubre de 2.017).

Les pareció una buena idea estrenar una secuela tardía de un clásico de Ciencia Ficción de 1.982 como Tron, en 2.010, y se estrellaron. Ahora les pareció una buena idea hacer lo propio con otro clásico de Ciencia Ficción de 1.982, Blade Runner en este caso... y la taquilla simplemente no respondió. Como la Blade Runner original, o como la Tron original, ya puestos. Y como los clásicos de Ciencia Ficción de 1.982 se están agotando y de Viaje a las Estrellas II: La ira de Khan ya hay varias continuaciones y hasta un reboot blando, entonces una posible secuela de ET el Extraterrestre ya debería estar en conversaciones, digo yo...
  • Sayabros comentó: Es una película hecha con un estilo de cine, que para los jóvenes de esta época es terriblemente lenta y aburrida, a mi me gustó
  • murinus2009 comentó: La vi 2 veces, la 1 me dormi, la 2... Me gusto mucho, muy buena secuela, respeta muy bien a su antecesora y hace buenos aportes a esa Mitologia, creo yo.

El Profesor Marston y la Mujer Maravilla (Professor Marston and the Wonder Women / 13 de Octubre).

Me imagino así el diálogo entre el tipo vendiendo ideas, y el productor de cine: "Es un biopic de Jack Kirby, el hombre que creó la mitad de los personajes de la Marvel, además del Cuarto Mundo para DC Comics, y lo estrenaremos para 2.017 que es el centenario de su nacimiento". "No me interesa, no tiene potencial". "¿Y un biopic de William Marston, el tipo que creó a Wonder Woman?". "Bueno, las superheroínas mujeres parecen estar de moda, pero, no sé...". "Además, Marston y su esposa vivían en concubinato con la amante de él, en plan menage-a-trois". "¡Excelente, eso me gusta, orgía con las actrices hoy a la noche, inicio de rodaje mañana por la mañana!". Y lo rodaron, el biopic del creador de Wonder Woman, mientras seguimos esperando por ese apasionante thriller de abogados y comics que sería una película basada en la biografía de Jack Kirby...
  • murinus2009 comentó: Excelente película sobre el creador de, Wonder Woman de D.C., entretenida, bien hecha, escenas memorables, historia variada sobre: proceso creativo. intolerancia, lo normal, de las que mas me gustó.

Coco (27 de Octubre de 2.017).

Escena en la consulta del oftalmólogo. El oculista va y le dice al paciente: "Lo que usted padece, tiene un nombre técnico, pero en esencia, es una obstrucción de los conductos lacrimales. Mire, podría recetarle una medicina muy cara para eso, pero más barato y efectivo, va a ser que vea la película Pixar de este año, hay que ser un sociópata para no terminar derramando lagrimita con eso"... Coco es la entrega Pixar de 2.017, ambientada en México, con unos magníficos argumento y universo narrativo, y con un final aplastante que deberían usarlo en las demoliciones de edificios, porque ahí es en donde no queda piedra intacta...
  • murinus2009 comentó: La vi, tras encontrar una copia en Ingles subtitulada, entretenida, bien elaborada, buena historia, me recordo el final de Blade Runner de 1982.

La Liga de la Justicia (Justice League / 13 de Noviembre de 2.017).

Medio año después de salvar la casa del incendio seguro con Wonder Woman, la Warner acabó de arrasar su franquicia de superhéroes DC con el apoteósico fracaso de La Liga de la Justicia. ¿Qué tan grande fue el fracaso? Digámoslo así. Todo el mundo conoce a Superman, Batman, Wonder Woman, Flash, Aquaman... no, Cyborg, tú no. Y la película que los agrupa, perdió la batalla de los superhéroes lidiando contra otra película, Thor: Ragnarok, que aparte de Thor, Loki, Hulk y un cameo de Doctor Strange, presentaba a... Valkyrie. A Grandmaster. A Skurge. A... a... Como se llame el resto, que para algo no los conocía nadie. ¡Si hasta el TRAILER de Avengers: Infinity Wars despertó más interés! Hoy por hoy, el WhatsApp de Patty Jenkins y Gal Gadot debe estar lleno de mensajes de los ejecutivos de la Warner: "No la jodan con Wonder Woman 2", "No la jodan con Wonder Woman 2", "No la jodan con Wonder Woman 2"...
  • murinus2009 comentó: Decepción, Entretiene algo al menos, crei que fallaria, Aquaman, pero esta bien, lo peor es el villano: anodino, tonto y sin nada memorable.

Los últimos jedi (Star Wars: The Last Jedi / 9 de Diciembre de 2.017).

El estreno de El despertar de la Fuerza dividió a moros y cristianos, desde quienes saludaron la nueva trilogía de Star Wars como un regreso en forma después del bajón de la Trilogía Precuela, hasta quienes la consideraron una purulencia excretada al lado del venerable legado lucasiano. Al año siguiente se estrenó Los últimos jedi, que puede reducirse a una sola palabra: polarización. Por supuesto, sabemos que seguirán sacando películas de Star Wars hasta que la franquicia ya no sea redituable, así es que...
  • murinus2009 comentó: Ritmo irregular, entretiene, pero partes aburren, la peror falla es Snooke, un supuesto supervillano, inflado, que hace...Nada.
  • Sayabros comentó: La segunda vez que la vi en el cine casi me duermo.

¿Habrá nueva entrega el próximo año, para que los lectores de la Guillermocracia se pongan a parir lo que será el cine de 2.018? Ya pueden ir dejando sus comentarios abajo, sea "¡sí, queremos más, así se construye cultura!", sea "¡no, qué desperdicio de posteos, mejor dedicar ese tiempo a escribir cosas más relevantes!", sea "meh... qué más da". Por lo pronto... sigan en nuestra sintonía, que por algo, este 2.018 está recién comenzando...

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